miércoles, 21 de julio de 2021

A classic horror story (2021) - El terror deconstruido

A Classic Horror Story | Netflix Official Site

El terror folk se caracteriza por enfrentar a los citadinos, idealizados como los civilizados, contra quienes habitan en las afueras, en lo desconocido, mostrándolos como aquéllos que practican rituales que contradicen la visión de respeto y las buenas costumbres. Para que esto ocurra, las "víctimas" a menudo acuden a estas comunidades aisladas para encontrar la solución a un problema surgido de sus respectivas babilonias, en otros casos van por diversión, investigación, infortunio o una combinación de éstas.

El terror folk hizo varias producciones antes, evidenciando los peligros de la juventud al buscar respuestas en las prácticas new age, en vez de la ciencia, la filosofía y la religión, que para ellos, ya no daban las respuestas para enfrentar la vida, lo cual fue plasmado en la película por antonomasia del género, The wicker man. Es curioso que ahora, que nuevamente se exacerbó este vicio por escarbar en pseudo-ciencias e ideologías, este cine también renace en varios países, lo cual se nota en producciones conocidas como The witch y Midsommar (de la cual se nota mucha influencia en este filme).

A classic horror story sigue a Elisa, quien está yendo a casa de sus padres mientras se debate sobre practicarse un aborto o no. Para llegar, comparte un vehículo en aras de ahorrar dinero. En éste se encontrará con tres viajeros más y Fabrizio, el conductor, quien los filma para llevar un registro que subirá a su canal de internet. El viaje se trunca cuando sufren un accidente e impactan contra un árbol a un lado de la carretera,  para después despertar y encontrarse en medio del bosque, con una cabaña esperándoles en medio de un claro. Su sentido de orientación será ridiculizado cuando intenten regresar al camino en busca de ayuda y acaben de nuevo en el mismo calvero, descubriendo en sus exploraciones, y en la cabaña, señales de que arcanos y siniestros rituales se llevan a cabo por una secta que adora a tres entidades de una oscura leyenda.

Esta película es italiana, lo cual es importante para el contexto, pues es un país que tuvo su época de oro en el terror, no tan solo dando directores que trascenderían por su estilo como Mario Bava, Lucio Fulci y Dario Argento (que con todo y su carrera inconsistente ha dejado una huella inigualable), sino porque igual nos legaron el giallo, un género que se caracteriza por hacer estético el asesinato y meternos en la piel del asesino, como la ya clásica Suspiria. A partir de los noventas, el país va perdiendo relevancia en el género, devorado igual que muchos otros por la industria estadounidense y su marcada narrativa formulaica con secuelas inacabables, la industria del miedo italiana ya no es lo mismo desde entonces.

Esta técnica estadounidense ha encasillado al género, tatuando en la mente del espectador que se debe asustar rápido y sin pensar, el famoso jump scare, un mecanismo que aunque no es malo, el abuso lo ha devaluado; dicho abuso emerge como un reflejo de la sociedad consumista que habitamos, donde tienen que haber resultados prestos, sin esperar. Si a esto aunamos la violencia física y psicológica que predomina en las noticias, y el material que recopila la gente con sus celulares mientras "pasaban por ahí", nos encontramos bombardeados a un nivel que cuando presenciamos esta barbarie "fingida" en las películas, carecen del efecto de antes. Y tomar un ritmo lento que invite a la reflexión, y que cause un miedo tan sutil que nos invada hasta que inicien los créditos del filme, es algo que no generará el mismo dinero en una taquilla que anhela destrucción rápida, algo arriesgado que no todos se dan el lujo de producir.

He aquí el punto que divide a la gente cuando ve A classic horror story, la vuelta de tuerca que decepciona a quienes sintieron que estaban frente a una película que conseguía que esa violencia los erizara como antaño. En el momento más álgido en que los protagonistas están acorralados, buscando cómo escapar de la imparable secta y sus costumbres violentas, es cuando se nos revela la verdad...

 

********************Spoilers a partir de aquí********************

 

Todo lo vivido hasta el momento, toda la historia presentada, que pensábamos era un buen filme de terror folk, es deconstruido cuando Elisa, la protagonista, descubre que su conductor, Fabrizio, lleva un comunicador en el oído dándole instrucciones sobre qué hacer. Ante esta osadía, Fabrizio explota porque han arruinado su plan y pide a unos asistentes que se la lleven. Cuando Elisa despierta, está sentada al final de una mesa con un númeroso grupo a punto de comer, con las manos clavadas a la silla, escuchando una canción sobre las tres entidades adoradas por el culto, aprendiendo a voz de quien parece ser la madre de todos ellos que, "la mafia no es lo que era antes". Elisa es arrastrada hasta otra sala, donde descubrirá pantallas mostrando las grabaciones de todo cuanto acontece. Aquí Fabrizio confesará que todos formaban parte de su guión, de algo que revolucionará el género y la industria italiana, un largometraje de terror sin efectos especiales y donde todo sucede de verdad, justo lo que la gente desea cuando ve las noticias y los videos de aficionados. Igual despotrica contra la maquinaria fílmica, argumentando que su proyecto y sus nuevos villanos ya hasta le hubiera redituado toda una saga en Estados Unidos.

Elisa se rebela y arremete contra Fabrizio, mostrando cómo la gente bien puede presenciar esta violencia a través de la protección de una pantalla, pero descarta por completo y desprecia la idea de formar parte de ella. Después de esto escapa del terreno donde los mantenían encerrados, acabando en una playa, donde su aspecto deteriorado atrae la mirada de quienes descansan en la arena, volviendo a ser el foco de las cámaras, pero ahora de los celulares, probando que donde estés, serás protagonista de un video más. Acá Elisa termina reflexionando sobre el significado de la vida, ya que después de lo vivido, cuestiona de nuevo si desea el aborto.

La película cierra burlándose de sí misma, y de los espectadores que se desesperan por terminar las obras lo más pronto posible (y si no, ahí tienen la modalidad de Netflix para ver los programsa a 1.5 de velocidad), mostrando una plataforma llamada Bloodfix, donde un espectador, después de ver escasos segundos de ésta, y basado en los comentarios de la gente, decide clasificarla como mala.

A pesar de tener errores o detalles que no se explican, la película se sostiene por la crítica que provee al modo actual de consumir producciones y cómo las percibimos. Si bien no será del agrado de todos el giro, hay que reconocer que la primera mitad, como un mediometraje de terror, es excelso.

lunes, 28 de junio de 2021

Katla (2021) - Aquéllos que vienen de la ceniza

Crítica de Katla: El gran misterio islandés llega a Netflix - HobbyConsolas  Entretenimiento

Los dobles o doppelgänger son un tema recurrente en las historias para confrontar a un personaje con lo que no le gusta de sí mismo, mostrarle aquello que reprime con tal de mantener una imagen, o lo que tanto le atemoriza de su interior. Al fin y al cabo verse desde fuera permite ser más objetivo al percatarse de los errores que tanto cuestan reconocer.

Las serie emplea a los dobles en un sentido más amplio, no se limitan a enfrentar al humano original con su manera de ser, también desequilibran a quienes conviven con ellos, ya que no sólo son duplicados exactos, también hay versiones más jóvenes de las personas, así como "resucitados" que aparecen para remover heridas del pasado que no se han cerrado.

Katla es el nombre de un volcán, el cual tiene a sus faldas un pequeño poblado aislado que trabaja bajo un inclemente clima, señal de celular pobre, agua sucia y falta de suministros. Aislados del mundo, es como si los habitantes se encerrasen en esa cárcel donde todo es igual, donde su vida permanece gris y monótona, al igual que la ceniza que recubre el terreno y el cielo que nunca muestra su azul, o el sol que se niega a darles un rayo de esperanza en ese rincón olvidado por la civilización.

Todo inicia cuando una joven desnuda, cubierta de ceniza y aterida aparece caminando sin rumbo. Al despojarla de la capa grisácea, ella afirma que su identidad (y su apariencia) es la de una mujer que trabajó veinte años atrás en el hotel del pueblo... Lo que se complica cuando confirman que la misma persona se encuentra viviendo en Suecia, dos décadas más grande. Los involucrados buscan racionalizar que la doble miente al respecto, al igual que lo harán otros cuya realidad se astillará cuando aparezcan bañados en ceniza un niño y otra mujer, ambos muertos años atrás.

La serie toma su tiempo para desarrollarse y conectar los diversos casos de los dobles, haciendo énfasis en las crisis que atraviesa cada personaje, por lo que podría considerarse más un drama psicológico que una serie de fantasía. Lo que sí, el desenlace de temporada hace uso de todo lo construido con lentitud y ofrece un cierre agresivo que no dejará indiferente, incluso advirtiendo antes del último capítulo sobre los delicados temas que tratará.

A pesar de no estar marcado como serie de temporada única, Katla podría terminar justo en su última escena, dejando una agridulce nota que muestra hasta qué punto el ser humano necesita llegar a veces para lidiar con capítulos abiertos del pasado, o reconocer quiénes somos en realidad.


martes, 22 de junio de 2021

Censor (2021) - El bicho de la razón

Censor (2021) – Free direct movie downloads

Censor se desarrolla en los ochentas, una época en que los videos de formato casero prosperaron gracias a dos géneros que encontraron su nicho para filmar rápido producciones baratas y sacar ganancias, la pornografía y el terror. La película trata sobre Enid, que trabaja en una empresa encargada de ver dichas películas de terror previas a distribuirse en el mercado para editarlas y eliminar lo que es demasiado explícito y fuerte para el público inglés.

Enid es percibida como muy íntegra e inquebrantable ante sus compañeros, es la más estricta al decidir qué escenas se eliminan y si la película se autoriza (esto porque el gobierno distribuía ya el injustificado mensaje que persiste hasta nuestros días y usa al género como el chivo expiatorio, ver muchos de estos filmes te vuelve un criminal). A pesar de su imagen intachable, Enid está marcada por un evento del pasado, la desaparición de su hermana, de la cual ella es la única testigo y que para su desgracia, sus recuerdos se encuentran difusos, causando que mantenga la esperanza, convencida de que su hermana sigue viva, contrario a lo que sus padres creen.

Conforme la trama avanza, Enid es encargada con ver y editar una película de un director poco conocido, donde un par de mujeres entran a una cabaña, lo cual sacude sus pensamientos, sin entender por qué. La situación empeora cuando descubre que en las películas de este director, hay una mujer que le recuerda a su hermana y empieza a indagar al respecto.

La película es clasificada por algunos como demasiado artística, y que "no pasa nada", esto se debe a que Censor dedica su historia a construir varias capas que al inicio parecen inconexas, y que incluso después del final, pareciera que siguen sueltas, pero tras recapitular adquieren sentido y se integran como una pieza más que consolida la historia y su mensaje.

Sin embargo, la relevante de Censor está en el recurso de narrar en primera persona. Tal vez no alcancemos a empatizar del todo con Enid por su forma de ser, pero sí veremos todo desde su perspectiva, de tal modo que cuando llegamos al final, es posible sentir éste como apresurado... Pero no es así, entre los diálogos y los sucesos se filtra la razón, ese bicho abrumado por lo subjetivo que algunos retiramos mediante aspavientos para evitar verlo y reconocer su existencia, pero que mientras más lo alejemos, más cómodos nos sentimos. Aquí radica la clave para disfrutar la historia en su esplendor y explorar la mente de una protagonista que se niega a crear vínculos con sus allegados, encerrándose en una cárcel repleta de insecticida, donde el bicho jamás llegará.

lunes, 10 de mayo de 2021

Jupiter's legacy (2021) - La muerte del símbolo

Jupiter's Legacy | Sitio oficial de Netflix

Batman es el héroe por antonomasia cuando se habla de un código que rija sus acciones. Atribulado por su pasado y las personalidades atrofiadas que enfrenta durante su cruzada, debe de atenerse a reglas que lo mantengan al margen y eviten convertirlo en un criminal más.

Jupiter's Legacy aborda esta idea pero desde un grupo de superhéroes que adquiere sus poderes durante la gran depresión de los 30. Este cambio los hace envejecer más lento, presenciando a través de varias generaciones un giro radical en lo que los villanos buscan, quienes dejan atrás la crisis económica, el robo de bancos y la avaricia material por un propósito más sombrío, aniquilar el símbolo de la justicia y perseverancia en violentos tiempos donde el trabajo arduo y constante son despreciados para buscar soluciones rápidas.

Los integrantes de la Unión (el organismo principal de superhéroes en la serie), inseguros de lo que representan ahora para la ciudadanía, son asfixiados por la nueva iniciativa de los villanos de no hesitar en asesinarlos durante los combates. Esto cuestiona el código de no matar, que empeora cuando la mayoría de la gente apoya la moción de arrebatarle la vida a los malos en vez del antiguo y repetitivo baile de encerrarlos y esperar a que escapen para capturarlos.

Los problemas infectan a cada personaje que sigue el código, habiendo quienes se tambalean, quienes se ven como extremistas por defenderlo a capa y espada, y quienes se rinden para abrazar el discurso de matar. El mantenerse firme y hacer lo correcto al confrontar la adversidad es una interrogante constante para los héroes, quienes desean adoptar el camino pragmático, la inmediatez que no repara en la imposición de límites y que gradualmente encauza a las personas hacia derroteros inimaginables.

La serie involucra otros temas que se mezclan bien con la narrativa principal, como la sombra que proyectan los padres, cómo las decisiones de éstos contribuyen a moldear el camino de los hijos. De la mano de esto va la importancia de la familia y los amigos, cómo las acciones de uno afectan a los más cercanos aunque no lo parezca. Finalmente está la realidad y las fricciones que vivimos contra ella por encerrarnos en una burbuja donde buscamos que todo sea como queremos, cuando allá afuera la situación dista de ser así.

Jupiter's Legacy se basa en el cómic de Mark Millar, quien se caracteriza por explorar diferentes facetas del mito del superhéroe, como el visceral Kick-Ass, los clásicos Civil War y Old man Logan de Marvel, u otros menos conocidos como Superior y Nemesis. A diferencia de otras adaptaciones del autor, acá no se recurre a la irreverencia y se muestra un tono más serio que rara vez deja espacio para bromas. La violencia gráfica y extrema es disminuida, a diferencia de otras adaptaciones de Millar, lo cual puede decepcionar a quienes confunden contenido adulto con visceras volando por los aires, esta serie apuesta por una perspectiva más sutil y reflexiva.

lunes, 19 de abril de 2021

Wonder egg priority (2021) - El yo realista contra el mal

Cuánto durará el anime de Wonder Egg Priority? - Universo Nintendo

El género de las chicas mágicas (Magical girls) ha evolucionado bastante desde su concepción con The secrets of Akko-chan en los 60s. Sus heroínas velaban por el bien común y promocionaban la imagen de que las niñas japonesas poseían magia para transformarse en algo mejor, en tanto el adulto, frío y atrapado por las normas de la sociedad, era el villano a vencer (motivo por el que no existe la Magical woman). Las secuencias de transformaciones tan parodiadas florecerían desde los 70s y se volverían una marca indiscutible para acentuar la ilusión de convertirse en alguien con poderes que desafía los estándares. Poco a poco adoptaron la estrategia del género mecha (que era promocionar juguetes para varones) y fueron el estandarte para vender accesorios junto a la ya establecida Hello Kitty, ganando seguidoras mayores de edad que reflejaban en ellas sus sueños incumplidos, así como hombres que pasaban por una crisis de identidad respecto al varón japonés tradicional.

La expansión mundial llegaría con Sailor moon y Sakura card captor. Luego vendría la deconstrucción del género con Madoka Magica, exponiendo un matiz oscuro que daría lugar a otras similares como Yuki Yuna is a hero y Magical girl raising project. Así llegamos hasta los años recientes, donde se ve una pequeña tendencia que ya se olvida de las clásicas secuencias de transformaciones. Magical girl site y ahora Wonder egg priority son parte de este nuevo discurso donde las protagonistas ya no recurren a una metamorfosis fantástica, ya no hay trajes extravagantes con accesorios coloridos, solo existe el yo realista en contra del malévolo mundo.

Wonder egg priority trata sobre Ai Ohto, una joven de 14 años que descubre un lugar donde adquirir unos huevos que le permitirán ingresar a un mundo donde peleará para salvar a otras jóvenes que decidieron acabar con sus vidas ante la presión, esto con el objetivo de que ella reviva a una amiga que pasó por el mismo destino. Ai descubrirá nuevas aliadas que buscan lo mismo, resucitar a un ser querido, siendo orilladas a confrontar sus propios demonios para conseguirlo.

La serie construye el perfil de cada chica (incluidas todas las rescatadas) mediante la regla narrativa de "muestra, no cuentes", la cuál enfatiza el desarrollo de personalidades mediante acciones, gesticulaciones y diálogos en vez de contarnos a detalle por qué los protagonistas hacen lo que hacen. Esta técnica requiere que el espectador esté atento en todo momento y absorba la trama mediante el lenguaje visual y auditivo, recurriendo a simbolismos, narrativa no lineal y ángulos de cámara para nutrir la historia y comprimir tanto como sea posible en sus 12 episodios, volviéndola candidata para verla de nuevo y descubrir más detalles.

El tratamiento que se da aquí sobre temas delicados como acoso, abandono y violencia, son un grito de alerta para la sociedad japonesa, donde la salud mental es menospreciada al grado que si confiesas estos problemas te conviertes en un raro al que rechazan por desviarte de la normatividad, lo que provoca un interés casi nulo para buscar ayuda profesional y recibir un tratamiento que evite los trágicos finales de la juventud que vemos en Wonder egg priority.

Detrás de su estética colorida, la serie oculta auténtica oscuridad, y a pesar de no haber terminado de atar todos los cabos por problemas de falta de personal (reflejando el triste estado de la industria del anime en Japón con sus calendarios apretados y sus sueldos bajos), habrá un capítulo extra el 29 de junio para cerrar la historia. Con todo y esto, la docena de episodios que han salido son dignos de ver pues conjuntan una exquisita técnica narrativa que pocas veces se ve en los medios.


martes, 13 de abril de 2021

Omori (2020) - Las sombras de la tragedia

OMORI on Twitter: "4 days left… art by OMOCAT… "

El protagonista mudo es aquél que en los video juegos carece de voz (si acaso emite gritos y sonidos guturales), pocas veces muestra expresiones, y cuando intercede en la historia lo hace para decidir o responder preguntas a través de texto. Este silencio perpetuo y ese semblante plano y sin emociones, más que enajenar de la narrativa, nos sumerge a un punto en que nos convertimos en el personaje, plasmándonos en ese lienzo vacío, llenándolo con las decisiones y acciones que dictan nuestro compás moral.

Usando a este protagonista y a la angustia como base, la historia nos engancha. No importa si no temes a las arañas, al agua o a la oscuridad, la angustia es algo que conocemos, algo a lo que le damos forma para confrontarla, hasta convertirla en un medio tangible que germina oscuros demonios en nosotros. Demonios que cuando huimos de ellos, los sepultamos bajo frágiles capas que se agrietan cada que quieren escapar de su prisión y mostrarnos la mentira que nos rodea.

Este proceso es complejo y no lo hacemos conscientemente, está supervisado por el tiempo, el agente silencioso que nos arrastra a un paso tan lento hacia la perdición que no nos percatamos de ello a menos que alguien nos lo indique. El protagonista de Omori atraviesa este camino espinoso, envuelto por una atmósfera que se ha apoderado tanto de su mundo al grado de que la fantasía ya se escurre en la realidad.

Es fácil identificarse con los conflictos planteados por la historia, pues las decisiones de los personajes y cómo lidian con la tragedia, si no son nuestras, las hemos visto en algún familiar o amigo, y por esa resonancia terminamos asociándolo con nuestra vida (aunque ésta no equipare a la magnitud de la tragedia del juego). Otro factor que aparece y con el que empatizamos son los errores, aquéllos que cometemos y guardamos en secreto, que nos avergüenzan tanto que pensamos que nadie nos comprenderá si los confesamos, y decidimos que es más factible recluirlos en nuestro interior para que carcoman nuestros pensamientos. En otras palabras, caer en el error de que es mejor odiarnos que arriesgarse a ser odiado.

Omori inicia cuando éste sale del espacio en blanco (su lugar seguro) y llega a un mundo con tonos cálidos que solo de verlo evoca felicidad. A diferencia de sus amigos y otro personajes que conocerá, él se encuentra formado de blanco y negro, representando la unión de los espacios que cohabitan en su mente. Conforme se avanza entre juegos inocentes y charlas amenas, habrá pistas indicando que algo repta detrás de esa realidad edulcorada, la cual estalla cuando Basil, uno de sus amigos, corrompe la bella paleta de colores con un recuerdo que contamina el ambiente y nos advierte de lo que vendrá.

La escena cambia a un plano distinto, y presenta otra versión del protagonista, Sunny. Los colores cambian lo suficiente para señalar que esto es la realidad, una que tarda menos en exponer que algo no está bien y que existe una relación entre ambos mundos.

La maestría del juego es no buscar el susto rápido (y las pocas veces que aparece algo similar no lo consigue adrede, pues prefiere la atmósfera a largo plazo que una reacción efímera), y sí optar por emplear el tiempo en empatizar con el elenco de personajes, que entre frases sutiles y momentos de convivencia en apariencia inocente, revela un perfil psicológico que enriquece los eventos.

Como el factor miedo está diluido entre varias horas, el jugador olvida a menudo que recorre arenas movedizas, que los planos de Sunny y Omori se alimentan para narrar con calma la tragedia, donde al final no nos atemorizará un monstruo horrible y pesadillesco, pero sí la reflexión sobre las decisiones que tomemos en la vida cuando enfrentemos la muerte y esos recovecos de la mente que esconden lo que más nos avergüenza de nosotros.


miércoles, 7 de abril de 2021

Hal (2013) - Terapia de duelo con robots

The Cantabile Life — Hal (Anime, 2013)

La visión occidental de los robots en los libros y las series tiende a ser trágica, un análisis de la amenaza que representa y el mal uso que les podemos dar si obedecen nuestras órdenes. Esto se origina en parte desde las corrientes filosóficas que ponen al alma del hombre como algo superior, así que vemos a los robots como una amenaza, incomodándonos por imitar la vida, levantando cuestiones sobre el espíritu y la identidad.

Dicha postura dista de la de los japoneses, que encuentran en la tecnología a un aliado, una herramienta en contante evolución que mejorará la calidad de vida. La diferencia radica en dos posibles raíces. Una de sus dos religiones, el shinto, atribuye espíritus (Kami) no solo a los humanos, también a animales, cosas de la naturaleza y objetos. La otra razón es la social, pues la tecnología jugó un papel importante para reconstruir al país después de la segunda guerra mundial. Este optimismo está latente desde Astroboy de 1952.

Hal continúa esa costumbre, mostrando cómo un robot llamado Q01 debe asumir la identidad de un muerto para ayudar a recobrar las ganas de vivir, una especie de terapia que permite al cliente cerrar los episodios inconclusos al interactuar con el fallecido. Suena como un drama normal, pero la historia tiene un giro que cambia el ángulo de lo relatado y nos hace replantear lo sucedido.

El filme apenas dura una hora, y esto no se resiente hasta el tramo final, donde el tiempo se vuelve en contra de la historia, ya que varias escenas y diálogos que juegan un papel importante para la narrativa demandan más desarrollo para que el cierre cause el impacto buscado.

Poniendo la atropellada duración de lado, Hal es una historia que para sus sesenta minutos construye algo que vale la pena ver y que invita a la reflexión sobre la postura japonesa de la tecnología, a cuestionarnos si todavía es posible que detrás de la dificultad para construir vínculos de nuestra sociedad, todavía existe un rayo de esperanza para esta visión positiva de la tecnología, o si las amargas especulaciones occidentales serán las que predominen en los años por venir.


Nope (2022) - Domesticando lo imposible

  Hay tres elementos necesarios para descifrar qué hay detrás de Nope , Oprah Winfrey , la mentalidad positivista de hoy día y la filosofía ...