Spirit cage Incarnation (2019) - El humano como máquina productora

En el futuro, la humanidad ha perdido su dominio sobre la Tierra, viviendo refugiados en El Faro, una construcción aérea que se administra bajo rígidas reglas que suprimen la libertad y los sentimientos, reglas que se suponen permitirán sobrevivir y mantener un ecosistema balanceado en las alturas, alejados de unos parajes repletos de criaturas letales que no dudarán un instante en acabar con cualquier humano que deambule desprotegido.

Spirit cage Incarnation plantea una distopía desoladora, donde la sociedad castiga con la muerte a quien se atreva a desafiar el orden que asegura la pervivencia de nuestra raza. Los humanos viven divididos, un grupo es restringido con comidas precarias, tiene prohibido reproducirse y acceder a los mejores trabajos, las peores condiciones de vida están reservadas para ellos; el otro sector tiene mejores empleos, alimentos excelsos, un servicio médico con toda la tecnología disponible, instalaciones cómodas y la ¿ventaja? de reproducirse. En el Faro hay una constante que aplica para cualquiera de las dos poblaciones a la que uno pertenezca, los sentimientos están prohibidos, padre, madre, hijo, pareja, todo lo referente a la familia y los sentimientos es una violación al orden, porque complica el estructurado e inflexible status quo; esto lleva a la reproducción, donde el grupo privilegiado lo lleva a cabo como si fueran piezas de un tablero, empatando al hombre y la mujer con mejores genes para ser asignados a una fría ceremonia donde portarán máscaras y concebirán al futuro ciudadano, y cuando éste nazca, se desprenderá de su madre desde el primer día para que no existan ataduras emocionales... Pero esto no asegura su vida acomodada, si los genes no son los indicados, serán relegados al grupo de desamparados y esclavos, o morirán. Sumémosle a esta cosmovisón que, cuando ya eres mayor de edad y no puedes producir, te vuelves una carga que será expulsada hacia el exterior, para morir bajo las garras de las bestias sedientas de nuevas almas, pero claro, dicha expulsión también es envestida como un ritual solemne, para lavarle el cerebro al individuo que no cuestiona.

Esto es solo una muestra de a lo que la sociedad llega cuando el azaroso mundo se vuelve una amenaza y se nos exige producir dinero y consumir, se pierde la brújula e introducimos una serie exagerada de instrucciones para mantener el orden dentro del atemorizante caos, volviéndonos unos autómatas que dependen de la rutina y las reglas para rendirle al sistema mientras nuestro cuerpo sea útil, porque eso se vuelve el humano en Spirit cage, un robot que si no sirve para producir o no tiene los recursos para mantenerse, es desechado.

Dentro de este ecosistema tenemos la historia de Mark, el capitán de los exploradores (la historia no oculta las influencias de Shingeki no Kyojin, pero no es una calca, tiene identidad propia), quien es reconocido como un héroe que baja a sortear los peligros del mundo entre las salvajes criaturas para conseguir recursos que permitan al Faro operar más tiempo. Mark es candidato a ser el siguiente alcalde por todos sus logros, lo que causa enemistad con el sector religioso, que busca el poder. Ran Bing, la mano derecha de Mark en las peligrosas exploraciones, le demuestra a su capitán los sentimientos prohibidos que tiene por él, despertando en el líder una sensación reprimida que desatará acontecimientos que afectarán al Faro en todas sus esferas.

Algo imperdible de la serie y que la distingue de muchas, es cómo juega con las expectativas. Después de ver muchas historias distópicas, estamos acostumbrados a que ciertas pautas se cumplan, pero Spirit cage tiende a ignorarlas y nos saca de la zona narrativa de confort. Hay un buen balance entre lo que esperamos de un mundo como éste y los momentos en que se deconstruye para lanzarnos algo que nos hace cuestionarnos qué sigue en el guion. Esto es particularmente muy marcado en la segunda mitad, cuando cualquier idea preconcebida es derrumbada de un mazazo para llenarnos de incertidumbre e interés.

Ling Long Incarnation (su título original) ha sido confirmada para una segunda temporada, pero la primera cierra su saga de modo épico y satisfactorio, dejando ganas de ver qué tienen preparado para lo demás. Es cierto que ha pasado desapercibida porque el donghua (animación china) no tiene el mismo alcance que el anime, pero en sentido narrativo, no tiene nada que envidiarle a las mejores producciones japonesas. Tal vez existan quejas respecto a la tecnología de animación, pero si uno no se obsesiona con esto y goza de una buena distopía que nos advierte hacia dónde vamos si nos descuidamos, entonces los 16 episodios de Spirit cage, una trepidante mezcla de ciencia ficción y terror, son una buena opción para ver.

Arcane (2021) - Cicatrices del progreso

 

Pocas veces se ve una adaptación con un corte tan completo como Arcane, quien no conozca el material original (el juego de eSports, League of Legends) la disfruta sin problema alguno, los jugadores reciben referencias y guiños al por mayor, los personajes son entrañables, la animación es excelsa hasta en los momentos caóticos, la edición al hacer paralelismos combina momentos dramáticos para realzar el sentimiento de dos escenas diferentes... entre otras cosas que valdría la pena mencionar. Si a todo esto sumamos que refleja lo que vivimos en sociedad como seres humanos, nos encontramos ante un producto bien pensado que hace uso de sus diálogos para profundizar en su analogía:

"Esta ciudad se fundó para ser un bastión de ilustración en un mundo que se canibalizó por el poder y el orgullo. Pero lo olvidamos. Relajamos nuestra moral en favor de la comodidad y la conveniencia. Intercambiamos honor por prestigio. Alguna vez fuimos una tribu, ahora somos casas divididas."

El comportamiento del humano se puede deslizar con facilidad hacia esa dirección, la comodidad y conveniencia, el prestigio, el ignorar al otro y concentrarse en lo que reditúa ganancias, es un eterno conflicto interno donde se decide lo que hay que hacer poniendo en balanza los principios y el confort. Así, en una actualidad donde se ha acentuado el concentrarse en uno mismo, y si acaso, en la familia nuclear, nos hemos vuelto casas divididas.

Si bien, Arcane no exagera en llevar esta metáfora a un punto realista, (porque cuál es el objetivo de retratar la realidad exacta en una obra de fantasía, dejaría de ser fantasía y sería infiel al material que adapta), sí da las pautas para usar su historia como una palanca para ver nuestra sociedad y las acciones de ésta. Hay muchas otras tramas que se tejen en esta confrontación entre aferrarse a cómo se hacían las cosas y los peligros que representa adoptar una nueva forma de ver el mundo, planteando cómo el comportamiento humano es el mayor peligro cuando hay un descubrimiento, y no el descubrimiento en sí.

¿Hago esto para demostrar quién soy o por la aprobación de los demás?, ¿qué tanto valen nuestros principios?, ¿quién es el enemigo cuando el mundo entero se nos viene encima?, ¿cuánto comprendemos de lo que hay allá afuera cuando buscamos una solución?, ¿en realidad respetamos al otro con nuestras acciones?, son solo unas de las tantas preguntas que se filtran con sutileza entre los episodios de Arcane mientras desenvuelve su trepidante trama, mostrando simbolismos que invitan a ver más allá del mero entretenimiento cuando se analiza a sus personajes.

La historia comienza con Vi y Powder, unas hermanas que viven en las partes bajas de la ciudad de Piltóver, llevando una vida difícil, pero que no se compara a los engranajes que pondrán en curso cuando les falle un robo silencioso y exacerben los roces entre facciones, destapando un disgusto social que buscaba un pretexto para estallar. En lo alto de Piltóver mientras tanto, Jayce, a quien le invadieron su laboratorio por el grupo de Vi, enfrenta un juicio cuando se descubren los secretos de su investigación, despertando la curiosidad de un sector que no se opone a las blasfemias que desarrollaba a escondidas y que desea romper el tradicionalismo con que se gobierna.

Con una segunda temporada ya planeada, Arcane demuestra en nueve episodios que es posible satisfacer a todo mundo si se pone al personal apropiado a escribir y dirigir; tira por la borda  todas las excusas que los estudios grandes ponen cuando una adaptación fracasa para satisfacer a los fans, o a la audiencia en general.

Hellbound, Rumbo al infierno (2021) - Cosmovisiones fragmentadas

Cuando la ilustración llegó a imponer la razón como medio de comprender el mundo, relegando a las religiones y encajándolas en el terreno sobrenatural, inició un cambio que, hasta el día de hoy, no ha encontrado cimientos firmes para ayudar al ser humano a transitar por el mundo en una inalcanzable utopía gobernada por la lógica absoluta. Esta escisión fragmentó la cosmovisión y propició que se busque sustitutos en diferentes rincones. Así al día de hoy tenemos que la gente, en vez de escuchar a un pastor o sacerdote, se refugian en un influencer o coach para dictarles cómo llevar su vida; en vez de seguir mandamientos se reclama al estado por leyes (hasta puntos exagerados) que regulen nuestra convivencia; en vez de rezar, se repiten mantras para ser positivo y feliz todo el tiempo, aunque por dentro uno se esté despedazando; en vez de pedir por el alma, se deposita la confianza en que la ciencia conseguirá copiar nuestro cerebro en la red para darnos una vida eterna digital... Y así se podría seguir, buscando equivalentes entre el modo de ver el mundo antes y ahora, estudiando cómo el humano busca cubrir estos cambios con diferentes opciones.

No es de extrañar que ante esta fragmentación, si llega una "convincente" cosmovisión que facilite cómo vivir, aunque sea en torno al miedo y la humillación pública, se salte desesperado hacia ella como si fuera la respuesta a todo, sin cuestionar lo que yace tras sus estamentos. Acá es donde Hellbound demuestra lo que ocurriría hoy en día, explorando diferentes matices de esta necesidad de creer en algo que trasciende el mundo materialista, aunque hacerlo implique someterse al castigo.

La serie tiene una narración magistral a lo largo de seis episodios, donde no se desvía hacia historias secundarias y se centra en el drama central y el conflicto, tomándose incluso el lujo de hacer dos arcos argumentales donde pocos personajes repiten, pero todo girando siempre en torno a la idea principal, los humanos recibiendo advertencias por parte de una entidad incorpórea que los condena a ir al infierno a una hora y día determinado, para que en el instante vaticinado, independientemente del lugar, aparezcan tres armatostes oscuros para dar un violento fin a la persona y extraer su alma hacia otro plano.

La cantidad de temas que se tocan para los escasos episodios es igual impresionante, pues no se sienten incompletos, de relleno o que están ahí para impresionar, hacen una sinergia apropiada entre todos para explorar el comportamiento del ser humano ante un evento de esta magnitud, explorando nuestro comportamiento hasta sus recovecos más oscuros. Entre los puntos a reflexionar están, la posición que tenemos frente a Dios, la necesidad de tener un significado ante la muerte, la superioridad moral que lleva a los individualistas a imponer su visión por la fuerza sin pensar en el otro, la tiranía que se alcanza cuando se posee la supuesta verdad y ésta se tuerce con tal de mantener el poder, el placer de ver "la justicia" aplicada aunque no conozcamos al infortunado y lo que lo orilló a ello, el uso del morbo y acusaciones infundadas para ganar relevancia en los medios aunque esto condene a desconocidos, lo fácil que es intimidar y mover a las masas que buscan respuestas simplificadas ante lo absurdo del mundo actual, la urgencia de darle significado a lo inexplicable sin importar el nivel de megalomanía y las consecuencias que tenga en la sociedad con tal de que uno se "sienta satisfecho".

Pero no todo es hipocresía y usar al pecado como moneda de cambio para juzgar nuestro lugar entre la sociedad, también hay sitio para demostrar cómo en las penumbras, el amor y la esperanza son capaces de hacer frente a lo desconocido y darnos una luz en instantes en que tenemos todo en contra.

Si bien, a pesar de buena la recepción que ha tenido, Hellbound no tiene planes, al menos en el instante de publicar esto, de elaborar una segunda temporada. Sin embargo, el creador Yeon Sang-ho (quien dirigió la laureada películas de zombis, Train to Busan o Estación Zombi) ha afirmado que sabe cómo continuar la historia, y en lo que se confirma la filmación de más capítulos televisivos, él piensa seguir en el formato webtoon (acá se puede encontrar,  Hellbound)

Basada en el cortometraje del 2006, The Hell (Two Kinds of Life), contando con escenas fuertes, que no recurren al gore para impresionar, Hellbound es una historia que se encuentra en Netflix y dejará un buen sabor de boca a quienes deseen una narrativa que se sumerja en la fantasía, el terror y la reflexión de quiénes somos en esta época donde estamos conectados y disponemos de información por doquier, pero como sociedad estamos más aislados e ignorantes que nunca ante este mundo implacable.

Katla (2021) - Aquéllos que vienen de la ceniza

Los dobles o doppelgänger son un tema recurrente en las historias para confrontar a un personaje con lo que no le gusta de sí mismo, mostrarle aquello que reprime con tal de mantener una imagen, o lo que tanto le atemoriza de su interior. Al fin y al cabo verse desde fuera permite ser más objetivo al percatarse de los errores que tanto cuestan reconocer.

Las serie emplea a los dobles en un sentido más amplio, no se limitan a enfrentar al humano original con su manera de ser, también desequilibran a quienes conviven con ellos, ya que no sólo son duplicados exactos, también hay versiones más jóvenes de las personas, así como "resucitados" que aparecen para remover heridas del pasado que no se han cerrado.

Katla es el nombre de un volcán, el cual tiene a sus faldas un pequeño poblado aislado que trabaja bajo un inclemente clima, señal de celular pobre, agua sucia y falta de suministros. Aislados del mundo, es como si los habitantes se encerrasen en esa cárcel donde todo es igual, donde su vida permanece gris y monótona, al igual que la ceniza que recubre el terreno y el cielo que nunca muestra su azul, o el sol que se niega a darles un rayo de esperanza en ese rincón olvidado por la civilización.

Todo inicia cuando una joven desnuda, cubierta de ceniza y aterida aparece caminando sin rumbo. Al despojarla de la capa grisácea, ella afirma que su identidad (y su apariencia) es la de una mujer que trabajó veinte años atrás en el hotel del pueblo... Lo que se complica cuando confirman que la misma persona se encuentra viviendo en Suecia, dos décadas más grande. Los involucrados buscan racionalizar que la doble miente al respecto, al igual que lo harán otros cuya realidad se astillará cuando aparezcan bañados en ceniza un niño y otra mujer, ambos muertos años atrás.

La serie toma su tiempo para desarrollarse y conectar los diversos casos de los dobles, haciendo énfasis en las crisis que atraviesa cada personaje, por lo que podría considerarse más un drama psicológico que una serie de fantasía. Lo que sí, el desenlace de temporada hace uso de todo lo construido con lentitud y ofrece un cierre agresivo que no dejará indiferente, incluso advirtiendo antes del último capítulo sobre los delicados temas que tratará.

A pesar de no estar marcado como serie de temporada única, Katla podría terminar justo en su última escena, dejando una agridulce nota que muestra hasta qué punto el ser humano necesita llegar a veces para lidiar con capítulos abiertos del pasado, o reconocer quiénes somos en realidad.

Jupiter's legacy (2021) - La muerte del símbolo

Batman es el héroe por antonomasia cuando se habla de un código que rija sus acciones. Atribulado por su pasado y las personalidades atrofiadas que enfrenta durante su cruzada, debe de atenerse a reglas que lo mantengan al margen y eviten convertirlo en un criminal más.

Jupiter's Legacy aborda esta idea pero desde un grupo de superhéroes que adquiere sus poderes durante la gran depresión de los 30. Este cambio los hace envejecer más lento, presenciando a través de varias generaciones un giro radical en lo que los villanos buscan, quienes dejan atrás la crisis económica, el robo de bancos y la avaricia material por un propósito más sombrío, aniquilar el símbolo de la justicia y perseverancia en violentos tiempos donde el trabajo arduo y constante son despreciados para buscar soluciones rápidas.

Los integrantes de la Unión (el organismo principal de superhéroes en la serie), inseguros de lo que representan ahora para la ciudadanía, son asfixiados por la nueva iniciativa de los villanos de no hesitar en asesinarlos durante los combates. Esto cuestiona el código de no matar, que empeora cuando la mayoría de la gente apoya la moción de arrebatarle la vida a los malos en vez del antiguo y repetitivo baile de encerrarlos y esperar a que escapen para capturarlos.

Los problemas infectan a cada personaje que sigue el código, habiendo quienes se tambalean, quienes se ven como extremistas por defenderlo a capa y espada, y quienes se rinden para abrazar el discurso de matar. El mantenerse firme y hacer lo correcto al confrontar la adversidad es una interrogante constante para los héroes, quienes desean adoptar el camino pragmático, la inmediatez que no repara en la imposición de límites y que gradualmente encauza a las personas hacia derroteros inimaginables.

La serie involucra otros temas que se mezclan bien con la narrativa principal, como la sombra que proyectan los padres, cómo las decisiones de éstos contribuyen a moldear el camino de los hijos. De la mano de esto va la importancia de la familia y los amigos, cómo las acciones de uno afectan a los más cercanos aunque no lo parezca. Finalmente está la realidad y las fricciones que vivimos contra ella por encerrarnos en una burbuja donde buscamos que todo sea como queremos, cuando allá afuera la situación dista de ser así.

Jupiter's Legacy se basa en el cómic de Mark Millar, quien se caracteriza por explorar diferentes facetas del mito del superhéroe, como el visceral Kick-Ass, los clásicos Civil War y Old man Logan de Marvel, u otros menos conocidos como Superior y Nemesis. A diferencia de otras adaptaciones del autor, acá no se recurre a la irreverencia y se muestra un tono más serio que rara vez deja espacio para bromas. La violencia gráfica y extrema es disminuida, a diferencia de otras adaptaciones de Millar, lo cual puede decepcionar a quienes confunden contenido adulto con visceras volando por los aires, esta serie apuesta por una perspectiva más sutil y reflexiva.

Wonder egg priority (2021) - El yo realista contra el mal

El género de las chicas mágicas (Magical girls) ha evolucionado bastante desde su concepción con The secrets of Akko-chan en los 60s. Sus heroínas velaban por el bien común y promocionaban la imagen de que las niñas japonesas poseían magia para transformarse en algo mejor, en tanto el adulto, frío y atrapado por las normas de la sociedad, era el villano a vencer (motivo por el que no existe la Magical woman). Las secuencias de transformaciones tan parodiadas florecerían desde los 70s y se volverían una marca indiscutible para acentuar la ilusión de convertirse en alguien con poderes que desafía los estándares. Poco a poco adoptaron la estrategia del género mecha (que era promocionar juguetes para varones) y fueron el estandarte para vender accesorios junto a la ya establecida Hello Kitty, ganando seguidoras mayores de edad que reflejaban en ellas sus sueños incumplidos, así como hombres que pasaban por una crisis de identidad respecto al varón japonés tradicional.

La expansión mundial llegaría con Sailor moon y Sakura card captor. Luego vendría la deconstrucción del género con Madoka Magica, exponiendo un matiz oscuro que daría lugar a otras similares como Yuki Yuna is a hero y Magical girl raising project. Así llegamos hasta los años recientes, donde se ve una pequeña tendencia que ya se olvida de las clásicas secuencias de transformaciones. Magical girl site y ahora Wonder egg priority son parte de este nuevo discurso donde las protagonistas ya no recurren a una metamorfosis fantástica, ya no hay trajes extravagantes con accesorios coloridos, solo existe el yo realista en contra del malévolo mundo.

Wonder egg priority trata sobre Ai Ohto, una joven de 14 años que descubre un lugar donde adquirir unos huevos que le permitirán ingresar a un mundo donde peleará para salvar a otras jóvenes que decidieron acabar con sus vidas ante la presión, esto con el objetivo de que ella reviva a una amiga que pasó por el mismo destino. Ai descubrirá nuevas aliadas que buscan lo mismo, resucitar a un ser querido, siendo orilladas a confrontar sus propios demonios para conseguirlo.

La serie construye el perfil de cada chica (incluidas todas las rescatadas) mediante la regla narrativa de "muestra, no cuentes", la cuál enfatiza el desarrollo de personalidades mediante acciones, gesticulaciones y diálogos en vez de contarnos a detalle por qué los protagonistas hacen lo que hacen. Esta técnica requiere que el espectador esté atento en todo momento y absorba la trama mediante el lenguaje visual y auditivo, recurriendo a simbolismos, narrativa no lineal y ángulos de cámara para nutrir la historia y comprimir tanto como sea posible en sus 12 episodios, volviéndola candidata para verla de nuevo y descubrir más detalles.

El tratamiento que se da aquí sobre temas delicados como acoso, abandono y violencia, son un grito de alerta para la sociedad japonesa, donde la salud mental es menospreciada al grado que si confiesas estos problemas te conviertes en un raro al que rechazan por desviarte de la normatividad, lo que provoca un interés casi nulo para buscar ayuda profesional y recibir un tratamiento que evite los trágicos finales de la juventud que vemos en Wonder egg priority.

Detrás de su estética colorida, la serie oculta auténtica oscuridad, y a pesar de no haber terminado de atar todos los cabos por problemas de falta de personal (reflejando el triste estado de la industria del anime en Japón con sus calendarios apretados y sus sueldos bajos), habrá un capítulo extra el 29 de junio para cerrar la historia. Con todo y esto, la docena de episodios que han salido son dignos de ver pues conjuntan una exquisita técnica narrativa que pocas veces se ve en los medios.

Junji Ito collection (2018) - El poder de los simbolismos

Cuando se alaban las obras de Junji Ito lo primero que suele mencionarse es su estilo de dibujo, capaz de causar horror y repulsión con sus detalladas y cuidadas líneas, pero lo que muchos dejan en segundo plano son las metáforas que crea con sus historias, compactando en unas páginas mensajes tan fuertes donde podemos tardar más pensando sobre ellos que leyendo el material. Este estigma ha dañado a Junji Ito collection, donde los críticos la desprecian por una animación que denota una obvia falta de presupuesto.

Poniendo de lado la calidad de la animación, se incurre en el mismo error que afecta al cine al compararlo con los libros, diciendo que estos últimos son mejores... Sólo que aquí se hace con el manga. Son formas de expresión diferentes y hay que evaluarlos por los errores de su respectivo medio, no por comparativa. Aparte, mientras que en el manga es Ito quien tiene control absoluto, en el ánime son más personas y departamentos involucrados, lo que no implica que siempre se hará mejor o más rápido, contrario al pensamiento popular.

Otro punto que evidencia el presupuesto limitado es la distribución de historias. Son dos cuentos por capítulo, durando algunos más de la mitad de éste, dejando un espacio reducido para la segunda narración, lo que lleva a pensar que se recortó bastante material para poder encajar este formato. Esto causa que algunos segmentos tengan un ritmo apropiado en tanto otros son apresurados. Aquí no entramos en casos espaciales como Tomie y los cuentos de Oshikiri, obras más largas cuyas partes en la serie son solo una probada del total.

A pesar de estos cortes en tiempos hay algo que está presente en el ánime y es eclipsado por las críticas de la animación, el simbolismo. Aquí sale otra queja, "las historias seleccionadas no son lo mejor de Ito", como si éstas no tuvieran un trasfondo importante y fueran elegidas al azar, cuando lo que ocurre es que no son tan obvias o no recurren al impacto visual sino a la reflexión posterior. En otras palabras, la errónea y superficial expectativa de que terror equivale solo a imágenes horroríficas y no a un mensaje más profundo. Es cierto que hay casos que en el contexto cultural japonés dan más miedo (en especial las que lidian con el apego hacia los muertos y nuestra dificultad para dejarlos ir), pero no quita que en occidente igual encontremos una razón para sentir escalofríos.

No hay que dejarse llevar por la primera narrativa de las maldiciones de Soichi, que es como abre la serie, ya que sus tres apariciones son las únicas que desentonan con la atmósfera del resto de los capítulos, donde lo raro no da cabida para toques de comedia.

Usando las peculiares metáforas de Ito, la serie trata temas como el miedo a la muerte, el apego a los objetos, la privacidad, lo terrible del mundo del espectáculo, las adicciones, las consecuencias de las tradiciones y nuestra obsesión por la belleza. Junji Ito collection ofrece reflexiones en sus doce capítulos y dos ovas (Tomie) que son la introducción adecuada al vasto mundo de este versátil señor, exponente de terror cósmico, body horror, crítica social y satira.