Vampire in the garden (2022) - ¿Mundos irreconciliables?

Estudio WIT, el responsable detrás de Attack on Titan (primeras temporadas), Ranking of kings, Dororo, Vinland saga, y la más reciente Spy X Family, muestra en Netflix una serie de apenas 5 episodios que nos presenta un mundo postapocalíptico donde vampiros y humanos están en constante conflicto, buscando erradicar al otro de la Tierra.

Fine y Momo son dos chicas que pertenecen a sus respectivos mundos, siendo Fine la heredera de la jerarquía vampírica y Momo, la hija de una comandante que quiere imponerle su visión bélica del mundo a como dé lugar. A pesar de ser diferentes, ambas reconocen que el bando donde habitan está incompleto, generándoles inconformidad y un vacío, observando que lo único que consigue la guerra es separar toda esperanza de conciliar un mundo donde vampiros y humanos coexistan en paz.

Los vampiros avasallaron en el pasado y se reprodujeron con rapidez, propiciando que los humanos se refugien en una ciudad que defienden mediante artilugios lumínicos y armas de fuego, mientras los vampiros viven en las afueras y atacan con sus habilidades sobrehumanas. La serie muestra igual otras situaciones, como las ciudades hermanas donde ambas facciones se vampirizan entre sí, manteniendo una frágil paz que se sostiene solo por el interés y donde cualquier altercado desata el caos. La otra opción que muestran es un pueblo donde la armonía es más aparente y conviven sin problema, pero como toda utopía, esconde algo.

En el mundo que se retrata en Vampire in the garden, algo se hace evidente con el paso de los años, la comunidad vampírica se asocia a la opulencia y lo estético, convirtiendo al arte en una abominación que es rechaza con todo por los humanos, quienes se convierten en el opuesto, la viva imagen de la ciencia, lo utilitario y la austeridad. Tanto Momo como Fine son representantes de estas posturas que no aceptan un punto medio, son abanderadas de una esperanza que ya todos perdieron y que lucharan hasta lo imposible por demostrar el compromiso con sus creencias cuando las dos se embarquen juntas en un viaje para huir de la guerra y encontrar su sitio.

Fine vivió un evento en el pasado con una humana que provoca que su estirpe haga cuanto esté en sus manos por separarla de Momo, a quien su madre y tío, movidos por el pasado y su odio a los vampiros, harán lo equivalente por alejarla de Fine. Cegados por la costumbre beligerante que ya les es inherente, las perseguirán hasta confines lejanos, incapaces de aceptar que ellas pueden ser portavoces de otra era.

Ciencia y arte han sido, para mucha gente, posturas opuestas incapaces de convivir en un individuo, quien deberá decantarse por una o por la otra para relacionarse con el mundo; Momo y Fine, buscan conciliar estos dos mundos, demostrar que es posible que humanos y vampiros encuentren un punto medio, pero demostrar esto es lo mismo que pasamos en nuestro día a día cuando divergimos del status quo, hay que luchar con uñas y dientes contra las opiniones del resto y no desfallecer ante nuestra meta.

Vampire in the garden cuenta con una animación impecable, pasa por drama, fantasía y acción para entregar una serie bien contenida que no necesita alargarse más para demostrar su planteamiento y enseñarnos que para alcanzar el destino deseado, habrá que mantenerse firme contra la marea y aceptar el apoyo de quienes crean en nuestros ideales.

13 sentinels aegis rim (2020) - Ambición bien orquestada

13 sentinels aegis rim se desprende del estigma que persigue a la gran mayoría de narraciones ambiciosas, las cuales empiezan a menudo con una premisa interesante que engancha y causa que se consuman sin parar, esperando las revelaciones que den coherencia al trepidante inicio, solo para decepcionarse conforme más se avanza, notando que el escritor no estuvo a la altura de lo que pretendía lograr, desinflando la historia conforme se aproxima al final. El otro mal camino que toman los autores es oscurecer la obra y llenarla de simbolismos, parchando los defectos narrativos con una pretensión innecesaria que aleja a la gente.

13 sentinels recurre a una técnica narrativa que puede no ser del agrado de muchos en un principio. La historia se desarrolla desde 13 perspectivas diferentes, con muchos personajes secundarios, ocurriendo en diferentes momentos y separadas por tiempos variables (es decir, no necesariamente una escena sigue de inmediato a la otra cuando conoces los eventos de un personaje), a esto se le agrega que no puedes ver toda la historia de alguien de principio a fin, pues hay partes que se desbloquean hasta que cumplir ciertas condiciones. El resultado de esta fórmula es una cantidad abrumadora de información que en las primeras horas perderá a más de uno entre los diferentes nombres, locaciones y temas que se abordan. Lo sorprendente es que con todo ese alud de datos, funciona, y si en sus primeras horas consigue conectar con el jugador dentro de este caos, lo capturará hasta el final.

Esta forma entrecortada de narrar cobra sentido ante una repetición constante de ciertos términos, que conforme se avanza, se afianzan en nuestra memoria y nos permite construir el panorama general de lo que ocurre, aparte de obligarnos a estar atentos a los diálogos para no perder las revelaciones. Y aunque es un hecho que perderemos detalles en el camino, esto no entorpece la facilidad con la que el juego va introduciendo cambios cruciales que dejan boquiabierto, mínimo, una vez cada dos horas (tarda 30 aproximadamente en completarse), porque no solo subvierten las expectativas, las hacen más grandes con cada giro de guión, mostrando un atrevimiento que pocos tienen el privilegio de decir que estuvieron a la altura de salir bien librados.

El inicio es bastante simple y hasta trivial, adolescentes que suben a robots gigantes (mechas) para enfrentar a monstruos (kaijus) que amenazan la integridad de la ciudad, siendo ellos los únicos que pueden pilotar las armas antropomórficas. A partir de allá se ramifica sin parar por temas tan diversos que exploran quiénes somos, qué nos define como personas, cómo nos afecta la tecnología, qué haríamos por comprender la verdad del mundo, la compasión por el diferente, las circunstancias adversas que nos llevan a ser enemigos, la esperanza por salir adelante sin importar las desgracias, el ingenio humano por sobrevivir, la falta de ética para conseguir los objetivos, la obsesión por recuperar lo que perdimos y, cómo la unión con todo y nuestras diferencias puede marcar el cambio en el mundo, por mencionar solo algunos de los muchos tópicos que se exploran a través de una ciencia ficción que homenajea al anime y las películas ochenteras del género.

El sistema de batalla con el que se  mezcla la narrativa al estilo novela visual parece poco atractivo al verse en video, donde se aprecia nada más líneas, símbolos y números, pero las dudas se disipan cuando se toma control de éste y ya existe una conexión previa con los pilotos que van a la batalla, olvidando la simpleza de la interfaz e interesándose en el conflicto que sucede. Como dato complementario, todas las batallas ocurren después de la narrativa principal (con excepción del final, claro)

Es cierto que al final quedarán detalles por confirmar (para lo cual el juego ofrece una enciclopedia muy completa y una línea temporal donde todo está ordenado cronológicamente), pero eso no resta crédito al satisfactorio final con el que se cierra, que se vuelve más relevante cuando se descubre una escena extra que aparece sin aviso previo en la cronología, dándonos más para pensar sobre la obra. 13 sentinels aegis rim tiene una estética propia de los veteranos de Vanillaware que hará las delicias de sus seguidores. Este juego es una epopeya inolvidable que merece más atención por parte del público, y que por desgracia, su proeza narrativa fue opacada el año que salió por el controversial The last of us II. Ahora que fue reeditado en switch, es momento de aprovechar y conocer una historia como pocas que se han hecho para las consolas.

Devilman crybaby (2018) - El diablo puede llorar

Devilman crybaby explora la naturaleza maligna del ser humano mediante una mezcla que puede alejar a quien no esté acostumbrado a animaciones extremas, pues en la primera mitad abundan los desnudos, el sexo, la violencia, y el gore hasta un punto que en ocasiones roza lo ridículo. A partir del capítulo 6 los temas maduran, yendo hacia un derrotero reflexivo donde los excesos se integran a la historia y transmiten el aura malévola que rodea a los protagonistas.

Los protagonistas son, Akira Fudo, un joven muy emocional que llora cada que alguien sufre, y su contraparte es Ryo, un amigo de la infancia que es frío y racional ante todo lo que vive. La serie inicia con ellos como niños, discutiendo en torno a un gatito que está muy enfermo y morirá inevitablemente, Akira se empeña en cuidarlo, llorando a su lado, mientras Ryo insiste en matarlo para ahorrar el sufrimiento; esta escena será de relevancia para sus personalidades y el desarrollo que tendrán ambos hasta el final, formando un círculo con la trama. De ahí, la historia avanza hasta su adolescencia, donde Ryo se reencuentra con Akira después de una larga ausencia y lo engatusa para que el demonio Amon posea su cuerpo. La aparente debilidad emocional de Akira en realidad es una fortaleza humana que le permite a su corazón dominar a Amon, convirtiéndose en un Devilman, un humano que controla al ente demoniaco y que lo usará para pelear contra otros demonios. Mientras Akira atraviesa por diferentes episodios que lo harán llorar de compasión por sus semejantes y descubrir sus límites, Ryo fraguará un plan para destapar la existencia de los demonios en el mundo, lo que traerá un caos que escalará hasta proporciones inimaginables.

Las reflexiones que Devilman crybaby lanza sobre la maldad humana son duras, mostrando las acciones de, humanos poseídos por el demonio que ceden a sus impulsos, los que dominan al lado perverso y lo integran a su vida como Akira, y finalmente quienes lo reprimen y no se atreven a actuar solos, pero que al formarse una turba resentida e iracunda, se unirán a ella para mostrar que el ser humano no necesita tener la apariencia de un diablo para dañar a otros.

Los trazos de los personajes se alejan del estilo del anime (algo propio del director Masaaki Yuasa), creando una atmósfera única que con sus dibujos desproporcionados, ángulos elegidos y la música, acentúa más los extremismos que caracterizan a la serie, viéndose más grotesco, lo que hará las delicias de los admiradores del body horror, pero provocará el disgusto del espectador convencional.

Devilman Crybaby es una adaptación de Devilman, un manga de 1972 del legendario Go Nagai (autor también de Mazinger Z y Cutie Honey por nombrar un par), que tuvo otra anime, OVAs, películas, y es una referencia e inspiración para obras importantes de la industria como Berserk y Evangelion. En esta adaptación de Netflix, se han hecho muchos cambios respecto al original, pero ha conseguido algo que las versiones anteriores carecieron, la esencia, la cual se percibe en especial cuando se llega al final de los 10 episodios y se recapitula sobre lo visto, entendiendo cómo la libertad creativa que se le permitió a Yuasa, creó una versión difícil de digerir para el público en general, pero que encaja con el duro trasfondo que presenta sobre nosotros.

Si se tolera las imágenes repulsivas, se encontrará con una obra que cuestiona varios puntos de nuestra sociedad, como la dificultad que existe para aceptar a quienes no encajan en la norma, la manipulación de los medios para demonizarlos, deshumanizarlos y rechazarlos, convirtiéndonos en un mundo que se deja llevar por las mentiras, revelando la falta de criterio para discernir y cuestionar, hambrientos de explicaciones, aunque éstas sean falsas, cayendo presa de una espiral demoniaca que nos vuelve animales agresivos e insensibles que desconocen la compasión, unos demonios, unos que olvidan que el diablo también puede llorar.

My dress-up darling (2022) - La mirada del otro

Quienes no han visto My dress-up darling y sepan que durante su emisión estuvo a la altura de pesos pesados como Attack on titan o Demon slayer, se preguntarán cómo una comedia romántica sin animación compleja y sin un conflicto externo que amenace a sus protagonistas pudo lograr tal proeza. La respuesta es el primer episodio y personajes con los cuales identificarse.

Gojo Wakana es un estudiante de preparatoria que añora especializarse en la creación muñecas hina, tal como su abuelo. Durante su niñez, es marcado por un suceso que provoca le apene admitir su afición y esto se ramifica hacia el resto de su persona, volviéndose introvertido e inseguro, pensando que es un raro incapaz de encajar y que incomodaría a los demás con sus charlas, prefiriendo aceptar tareas en solitario con tal de evitar convivir y molestar al resto. En él se conjugan comportamientos recurrentes de la vida real, el aislamiento y la baja autoestima.

Este punto de partida es uno con el que se identifican muchos jóvenes y adultos, y si sumamos un protagonista con rostro plano y del que nada destaca visualmente, es fácil plasmarse en él. Creer que no se es lo suficiente bueno, que representamos una molestia, que no nos entenderán si nos expresamos, que seremos rechazados al primer error que cometamos, y que nuestros gustos son extravagancias que nadie apreciaría, trae como consecuencia, encerrarse en uno mismo, evitando el contacto, justo lo que Gojo enfrenta, un conflicto que no amenaza desde afuera como es el caso de Attack on titan y Demon slayer, sino desde dentro, algo menos rimbombante pero que conecta a un nivel íntimo con los espectadores.

Marin, una chica extrovertida y atrevida que no oculta sus gustos, por inusuales que sean, será el contrapeso de Gojo, dándole otra manera de ver la vida, demostrando que puedes ser comprendido y no debes avergonzarte de lo que te apasiona, aprendiendo a aceptar lo que te diferencia del resto, y que esa diferencia es la que enriquece la interacción entre las personas, siendo posible conectar por dispares que sean. Marín sacará a Gojo de su zona de confort y lo llevará a nuevas experiencias, aunque igual ella conocerá en él facetas que no encuentra en otras personas, como tener alguien que haga caso cuando recomiendas algo, que confíe en tu criterio y vea (o juegue) lo recomendado con tal de entenderte mejor, de compartir un nuevo gusto, trascendiendo así de una relación superficial conforme más lo conoce.

Cuando Marin se entera que Gojo sabe confeccionar trajes, le propone que la ayude con uno de cosplay que desea fervientemente. Esa actividad, que en apariencia dista del sueño de Gojo de ser un experto en muñecas hina, le mostrará que en la vida, las labores que menos te esperas te aportan las herramientas necesarias para alcanzar tu meta, al convertirse Marin en una versión de carne y hueso de las muñecas que tanto quiere perfeccionar. Lecciones de este tipo son las que están diseminadas en los capítulos, donde cada uno aprende de la mirada del otro, y nosotros sobre cómo alguien que abandona el encierro y el egoísmo de no compartir su mundo, es capaz de abrirse paso a nuevas vivencias y enseñanzas.

A pesar de que la historia reduce el peso de los conflictos conforme avanza, el pacto del primer episodio ya está hecho, y cuando la serie se orienta a una comedia romántica ligera y visual (y muy subida de tono), el trasfondo de los personajes ya está asentado, y facilita que el espectador se mueva junto con ellos a temas más amenos y disfrutables, viendo cómo se desarrolla la relación entre la extavagante y distraída Marin, y el introvertido y ansioso Gojo.

X (2022) - La juventud entronizada

X se caracteriza por tomar una fórmula de películas ya conocidas para los amantes del terror, un grupo de personas se aventura fuera de la ciudad para explorar, investigar o hacer algo en específico, para encontrar una fuerza sobrenatural u otras personas, que se encargarán de hacerles la vida imposible (o matarlos). Es una narrativa explotada en el género pero que dependiendo de cómo se utilice, será cuánto destacará de entre las demás. X inyecta un mensaje social, que ha sido abordado por otras películas, pero no con el estilo de la clásica, La masacre de Texas, y es el miedo a la tercera edad y la exaltación de la juventud.

La película inicia mostrándonos el final, una casa con sangre y cuerpos por doquier, de la cual los policías no entienden qué ocurrió, qué desató esa vorágine, quién inició todo, y por qué. Es entonces cuando la historia retrocede 24 horas y conocemos a Wayne y su repertorio de actores viajando a las afueras para filmar una película para adultos. RJ, su camarógrafo, tiene el ambicioso plan de crear un filme casero que revolucionará la industria pornográfica y los convertirá en estrellas de sus respectivas posiciones. Pero cuando llegan al terreno donde rentarán la cabaña, se toparán con un dueño ya en la tercera edad y con un temperamento irritable. Maxine, actriz y novia de Wayne, se encuentra con la esposa del dueño, una señora con un estado mental frágil y un comportamiento errático que desarrollará una obsesión por su joven apariencia y piel. Conflictos entre el equipo de filmación y curiosidad serán detonantes para descubrir que el lugar elegido para crear su largometraje, oculta algo que era mejor no descubrir.

A pesar de que X es sangrienta, no son estas escenas las que causan incomodidad, rechazo o asco, tampoco cuando están filmando la película pornográfica, lo que realmente ocasiona desasosiego es el modo en que se retrata la obsesión por la juventud de Maxine, cómo el cuerpo ajado añora tener de vuelta los momentos de gloria, de admiración, de tener las posibilidades que ofrece ser bella y atractiva, el objeto de deseo; y si no se consigue, qué se haría con tal de tenerlo cerca, de escuchar las palabras que transporten de vuelta a esas épocas ansiadas.

El mensaje de la película va en acorde con la era que vivimos, donde los adultos no quieren dejar atrás la juventud, donde llegar a la vejez parece una amenaza y es mejor gastar el cuerpo antes, rompiendo las reglas, experimentando con la identidad, viviendo los excesos y pagando las consecuencias, prefiriendo todo esto a alcanzar a una edad donde nuestro organismo falla, la piel se apergamina y nuestra mente se apaga. X es la última obra de Ti West y es recomendada tanto para quienes busquen una película con fórmula ya prestablecida, como para quienes deseen una reflexión sobre nuestros días.

Umma (2022) - Espectros maternos

Repetir las conductas de los padres es uno de los patrones que, a menos que uno esté consciente de ellos, es muy posible llevar a cabo sin percatarse. Umma trata sobre Amanda, una mujer de ascendencia coreana que recibe maltratos físicos y psicológicos por parte de su madre, lo que provoca desarrolle aversión hacia la electricidad, y que cuando nazca su hija opte por alejarse de toda luz, viviendo en una casa alejada de la civilización, sin más iluminación que la natural y la provista por lámparas de aceite y veladoras. Entre su hija deseando asistir a la universidad y su tío que le deja las cenizas de su recién fallecida madre, Amanda comenzará a escuchar voces y ver apariciones que la arrastrarán a repetir lo que le hicieron.

La película es más un drama matizado con terror, pues su foco es mostrar cómo Amanda atraviesa el duelo de su madre, reflexionando sobre cómo la abandonó para hacer su propia vida, escondiendo a su hija no tan solo del mundo, sino de sus propias raíces coreanas. El trauma del pasado se refuerza cuando se da cuenta de que pueden dejarla atrás igual que ella hizo, y aterrada por recibir el mismo trato, se deja poseer por las conductas de su mamá. Lo espectral se mueve entre lo real, donde ellas viven los acosos fantasmales, y lo psicológico, donde todo puede ser producto del estrés y la tensión vividos por ambas mujeres al confrontarse.

Ver este filme esperando sustos continuos o algo escalofriante no es el punto, muchas de las razones por la que es mal calificado es la lentitud con la que el fantasma entra a hacer de las suyas, y esto es aceptable si se ve solo como un producto donde se quiere ser espantado. Pero si Umma se identifica desde el principio como la historia de una madre temerosa de repetir el patrón de su juventud, entonces se torna más interesante, pues uno nota cómo es imposible ocultar más la mentira de tantos años, resbalando por un tobogán hasta el descubrimiento de la verdad. Vista de este modo, es más sencillo incluso desear que lo espectral sea más de corte psicológico que real, pues se vuelve una exploración de una conducta con la que podemos relacionarnos.

La película es el debut como directora de Iris K. Shim, y es una lástima que esté pasando bajo el radar como incomprendida, pues el guion que es suyo también, demuestra que conoce cómo utilizar el trauma para que el fantasma funcione como reflejo de éste. Si su siguiente proyecto decide hacerlo un poco más movido en tanto a sustos para atraer a un mayor público, esperemos que no prescinda de este estilo para construir el trasfondo de los personajes.

Haciendo uso de una destacable iluminación durante las escenas nocturnas donde no hay luz eléctrica, Umma es un filme no recomendado para los más apegados al terror promocionado en los cines. El trailer resulta engañoso, y nos aleja de lo que este largometraje es, una experiencia que demuestra cómo se  gestan los miedos más sutiles en nuestro día a día, y cómo se desarrollan sin que los veamos crecer, hasta que están listos para devorarnos.

Jedi: Fallen order (2019) - El jedi como metáfora de la vida

Star wars ha sido divisiva en varios aspectos. En la trilogía más reciente la falta de liderazgo de Disney para coordinar a sus directores, y la propaganda, causaron una historia problemática e incoherente por partes. En las hechas durante el plazo 99-05, abordar una trama más compleja escindió a los seguidores. Sin embargo, fueron las originales las que hasta hoy, han dado lugar a dos bandos que no llegan a un acuerdo cuando se habla de la saga, quienes las admiran, y aquéllos que ven a la franquicia como aburrida o exagerada, que sólo consiste en "rayos láser y espadas". No es para menos, si sumamos que la fantasía tiene esta imagen popular de ser un mero medio para entretener y que nada aporta a la vida.

Y es que Star wars está repleta de malas interpretaciones, una de la más escuchada es llamarla ciencia ficción porque se desarrolla en el espacio, lo cual no es así, ya que no hiperboliza aspectos sociales y no usa a la tecnología de su mundo para lanzar una crítica de hacia dónde vamos. En realidad es fantasía, una visión diferente de nuestra realidad, un western espacial (lo que puede ser apreciado en su totalidad en la película de Han Solo) donde los caballos y carruajes son sustituidos por criaturas y naves, donde el páramo desértico pasa a ser el infinito espacio, y los revólveres son pistolas láser, por nombrar los más obvios.

George Lucas combinó esta visión western con influencia de las películas de Akira Kurosawa (La fortaleza escondida siendo el referente más nombrado), motivo por el que las peleas con sables láser son pausadas en la primera trilogía, a diferencia de las posteriores. A esto le añadió el camino del héroe que Joseph Campbell plasmó tras sus investigaciones y que es la base para la gran parte de las historias que conocemos hoy en día, el llamado a la aventura, el rechazo a ésta, el umbral, los aliados, la gran prueba, la caída y resurrección, el regreso a casa, etcétera.

Siguiendo el camino del héroe, tenemos que el Jedi y el Sith no son más que una representación de nuestras vidas, siendo el Jedi quien pelea contra las tentaciones, batallando contra el lado oscuro, manteniendo nuestra sombra bajo control y sin permitir que nos domine, en tanto los Sith ceden a sus pasiones para acceder a un gran poder poder, tal como ocurre con la gente en la vida real. Incluso los colores emblemáticos de los sables láser contribuyen a este simbolismo, siendo el azul asociado a la paz y tranquilidad, y el rojo a lo arrojado y pasional. Todo esto se cierra con la fuerza, esa energía que depende de quien la use es cómo se manifiesta, igual que las herramientas y palabras que utilizamos día a día, depende de quien las controle es si harán daño o ayudarán.

Todo eso recayó en Luke Skywalker, que para varios ejemplifica el camino del héroe de Campbell a la perfección. Lucas después llevaría esta senda por el lado oscuro, al narrarnos la historia de Anakin Skywalker y su posterior caída hacia Darth Vader. De ahí, los comics se encargaron de ampliar más la historia hasta límites que nunca se imaginaron, hasta que Disney llegó y los desacreditó para imponer su versión que salvo excepciones, dista mucho de estar a la altura de lo antiguo. Es aquí cuando entra Jedi: Fallen order, el juego del 2019 que recupera la idiosincracia de la saga y entrega un camino del héroe con el que nos identificamos, donde entendemos ese forcejeo continuo entre ceder al lado oscuro o controlarlo, librando combates contra nuestros demonios internos, ésos que afectan nuestro uso de la fuerza en la vida. De este modo, la historia se vuelve un homenaje al viejo Star wars, y no esconde la influencia de Luke Skywalker para construir a su personaje principal.

Cal Kestis es un Jedi escondido, es bueno para las reparaciones y puede hablar con los droides. El imperio está cazando a los últimos de su clase, y cuando es descubierto, debe dejar de fingir y aceptar quién es para sobrevivir. No obstante, abrirse de este modo conlleva lidiar con conflictos no resueltos, traumas y culpas que son obstáculos para ser un caballero Jedi y dar lo mejor de sí, iniciando un largo viaje no solo para buscar restaurar la orden caída, sino también para conocerse a sí mismo, aprender de sus errores y a confiar en los demás. La segunda hermana, que es la villana principal, es un rival formidable que funciona como la imagen de lo que Cal sería si cediera a sus impulsos, aparte de cuestionar y poner a prueba su determinación.

Jedi: Fallen order es un juego que muestra parte de la esencia Star wars, y que bien pudo ser el pilar para un guion de la tan criticada última trilogía de Disney. Si bien no es rimbombante en tanto a las especies de seres, planetas y batallas, la historia tiene un corazón que podrá conquistar hasta a quienes no sean admiradores de la saga, aparte de un sistema de juego que, aunque tiene pequeñas deficiencias, no afectan a la experiencia que permite a uno sentirse como un Jedi.