Nope (2022) - Domesticando lo imposible

 

Hay tres elementos necesarios para descifrar qué hay detrás de Nope, Oprah Winfrey, la mentalidad positivista de hoy día y la filosofía de Lovecraft acerca de lo desconocido. Bien es cierto que la película podría inclinarse por otras interpretaciones por cómo es narrada, pero tomando estas referencias y relacionándolas es posible saber qué nos quiso decir Jordan Peele con su más reciente película.

Oprah predicaba en los 80s que uno todo lo puede, que es cuestión de mentalizarse para ello y lo conseguirás. Esta ideología positiva se propagaría y entraría en la mentalidad popular, derivando en las ideas de que no tenemos límites, de que podemos ser lo que deseemos y negar quienes somos, que los contratiempos ajenos a nosotros son nada, de que si no llegamos a la meta es nuestra culpa, y si estamos estancados en la vida es porque no buscamos progresar. Esto va enraizado con el individualismo que plaga el mundo, esa cosmovisión donde uno solo conquista la cima aunque termine despedazado psicológicamente y termine hambriento por obtener más, porque a fnal de cuentas, todo es posible. El aumento en depresión, vacíos y crisis de identidad, por nombrar algunos males, ha ido a la par con el proliferamiento de este ángulo enfermizo que por fuera se ve muy atractivo, pero que debajo del cascarón encierra un terrible virus que nos consume gradualmente, haciéndonos creer que somos felices, y que si no lo somos, hay que poner más empeño "porque sino es culpa nuestra".

Para Lovecraft, el tercer factor, hay que considerar cómo trataba a la realidad en sus historias, viviendo sus personajes cómo lo que concebían como un entorno seguro, domesticado y conocido, se va deformando hasta llegar un punto donde se rompe su percepción, son incapaces de enfrentar lo desconocido y la locura es la única salida viable.

Jordan Peele presenta en Nope a una pareja de hermanos cuyo rancho atraviesa por una crisis económica y es complicado mantenerlo a flote, esto empeora tras seis meses de la muerte del padre, quien falleció a causa de una inusual lluvia de objetos que le perforó la cara; de repente encuentran lo que se ve como una salida milagrosa a sus problemas, un aparente OVNI sobrevuela el rancho, y la obsesión por filmarlo en alta calidad y vender el metraje a los medios se vuelve prioridad en sus vidas, lo que no saben, es que están lidiando con algo que supera por mucho el entendimiento humano, y que las consecuencias de este desafío acarrea algo más que un simple avistamento.

************* Ligeros spoilers*************

El desarrollo cae en gran parte del filme en lo lovecraftiano, la humanidad intentando dominar lo que escapa su conocimiento, recurriendo a varias artimañas para someter a lo incomprensible (que va de la mano con unas escenas de un chimpance y su reacción violenta en un set de televisión), pero fracasando en esta cruzada. Sin embargo, la narrativa se transforma poco a poco, y el sabor a desesperanza se diluye. El cambio de tono propiciará desconcierto en varios espectadores, la expectativa rota dejará un sabor amargo si no se tejen los hilos con los factores previamente mencionados.

Los hermanos mencionan a menudo a Oprah como catapulta para presentar el material obtenido del supuesto OVNI, y no tan solo porque sean  afroamericanos y ella represente un referente para ellos, sino por el discurso de que el hombre no tiene límites, de que todo es posible, y de que si no puedes domesticar lo imposible, entonces la misión es otra, el propósito es que el hombre no pierda su superioridad y que lo racional "reine" por sobre todo, donde sólo los débiles aceptan el abrazo de lo imposible y la locura que tanto impera en las historias de Lovecraft.

*************Fin de spoilers*************

Se entiende que Nope sea controversial por el tratamiento que da al terror cósmico, pero cuando se ve más allá de la aparente burla del género, uno se encuentra con una crítica hacia el modo en que opera el discurso de la sociedad de hoy en día, donde todo parece definirse por la falta de límites, de que el ser humano puede ir más allá, y si no puede domesticar lo imposible, deshacerse de ello.

Vivy: Fluorite Eye’s Song (2021) - El corazón de las inteligencias artificiales

Inteligencias artificiales (IA) y robots son usados para explorar qué nos hace humanos, y Vivy: Flourite eye's song no es la excepción. Para hacerlo emplea una guerra latente, donde las IA se rebelarán contra sus creadores para imponerse como la raza superior que gobernará el mundo. Para evitar esto, un científico enviará a otra IA 100 años al pasado con los registros de los eventos que fueron paliando el camino para que se desencadene la catástrofe. La compañera elegida del pasado para cambiar la historia no será especializada en combate, sino otra IA que tiene como única finalidad hacer feliz al mundo con sus canciones, y cuyo público es prácticamente nulo en sus presentaciones.

Este dueto inusual que luchará por mejorar el destino del mundo, deberán arreglar sus diferencias, ya que Matsumoto, la IA del futuro, se rige por las reglas y los cálculos para solucionar las cosas, en tanto Vivy, la IA cantante, es impredecible, rebelde y por su programación de querer encontrar qué significa hacer las cosas de corazón, muestra un lado más humano que colisionará con las órdenes de su compañero. El propósito detrás de los eventos que modificarán, es que las IA no cobren la relevancia que gradualmente les otorgará derechos que las pongan a la misma altura que un humano, pero en el camino irán encontrando varias situaciones para reflexionar sobre esto, como si es posible una boda entre humanos e IA y si sus sentimientos pueden ir más allá de su programación, si las IA son capaces de crear arte y apreciar con otros ojos la realidad tangible, si tienen crisis existenciales al perder o no cumplir su objetivo, y si llegarían a suicidarse como consecuencia, entre otras.

En sus escasos 13 episodios, la serie desarrolla todo esto, dando saltos entre varios años de un evento a otro y mostrando cómo Vivy va atravesando estas épocas (dejando en nuestro lado completar fragmentos que ocurren fuera de cámara), sufriendo pérdidas que la harán cuestionar la vida pero la acercarán a su objetivo, conocer el corazón. Por otro lado, Matsumoto deberá desprenderse de su rigurosidad y entender que la recompensa puede venir con el riesgo. Al tener la serie estos saltos, su desarrollo no se da con una gran narrativa, sino a través de mini sagas de 2 o 3 episodios, teniendo cada una IA o humanos que se dedicarán a ayudar o complicar los objetivos de los protagonistas.

A pesar de que las IA no entran de lleno en nuestra realidad, es cierto que muchos teóricos ya consideran los dilemas éticos que traerán conforme más se aproximen al comportamiento humano, y así como ha sucedido en el pasado, la ciencia ficción se adelanta al usar estas problemáticas como parte de su narrativa. Y si no quiere verse por el lado tecnológico, otro modo de usar a las IA y robots en estas historias, Vivy incluida, es como una analogía de la otredad, es decir, personas ajenas a nuestras comunidades con comportamientos diferentes que pueden resultarnos extraños u ofensivos, tildándolos de salvajes, invasores, robots, etcétera. Como puede apreciarse, Vivy: Fluorite Eye’s Song tiene más de una capa para analizarse.

La serie fluctúa con naturalidad entre el drama y escenas de acción bien orquestadas que no retroceden en la violencia y la sangre cuando la situación o la historia lo requieren. A esto le acompaña una banda sonora espectacular que acentúa los momentos (basta con escuchar la canción del intro Sing my pleasure), un final digno de lo que nos cuenta, y una animación de alta calidad, el sello característico de estudio WIT, que una vez más entrega una joya que, aunque no ha acaparado la atención como otros animes, es sin duda una obra que vale la pena ver.

Character (2021) - ¿Soy un asesino?

Un de las características más representativas de la posmodernidad ha sido poner a la realidad como una narrativa más, de tal manera que la ficción ahora puede interactuar con ella sin conflicto alguno. En Character no hay esa mezcla donde la línea se difumina y no se sabe qué es qué, pero ficción y realidad cruzan caminos de modo que se vuelven dependientes para entender el mensaje detrás de esta película, la cual ha causado decepción para muchos durante sus últimos minutos porque no hay un discurso donde se cierre la trama explícitamente, y sí hay diálogos enigmáticos que, junto a elementos visuales, ponen las migajas para encontrar el camino hacia la respuesta y lo que se pretende contar.

Character sigue a Yamashiro Keigo, un asistente de mangaka que quiere independizarse y tener su propia serialización; tiene un estilo de dibujo definido como excelso por muchas personas, pero carece de un elemento importante para el género que quiere tratar, el terror, y es que es incapaz de crear un villano que atrape, creando tramas que se sienten vacías. Durante un encargo de su jefe mangaka, Yamashiro termina entrando a la casa de una familia de 4 integrantes, solo para descubrir que fueron asesinados brutalmente. El impacto, la violencia de la muerte, la sangre, el pavor, y una vista rápida del asesino (que ocultará a la policía), le inspirará para adaptar esta terrible experiencia y dibujar el manga que lo hará despegar y volverse adinerado en cuestión de meses. El problema, es que después de contar con lujo de detalle lo que vivió, Yamashiro continuará la historia inventando nuevas muertes, que el asesino real replicará al matar a otra familia de 4, generando una complicada relación entre la realidad y la ficción que pondrá de cabeza a los investigadores.

A lo largo del filme, la película va soltando frases inocentes en primera instancia, pero que cuando se alcanza el final, éstas juegan un papel importante para ir más allá de un resultado que parece incompleto y no aclara detalles que el público suele esperar en filmes donde se investiga qué impulsa al criminal a hacer lo que hace; al ahondar en estas frases, Character revela un juego más complicado sobre nuestros impulsos, el pasado, y cómo esto repercute en nuestro comportamiento. Otro factor que ha sido criticado es que el villano se siente caricaturizado, pero esto tiene más sentido si observamos que el criminal se identifica y obsesiona con el manga para imitarlo en la realidad.

No obstante, hay cosas de la película que no se pueden defender. Hay escenas donde la lógica se tira por la borda para realzar el dramatismo, y aquí no se habla de las víctimas que enfrentan al asesino (un error común, pues viendo la película a través de un velo protector como lo es la pantalla, cree que en estos momentos extremos uno razona con frialdad, cuando lo normal es que se apague toda la razón para dar lugar al pánico), sino de momentos donde la fuerza policial deja qué desear con sus decisiones.

Aunque la trama de Character, de un asesinato que proviene o se inspira de la ficción, se ha abordado por diversos ángulos, aquí se desarrolla de manera que el misterio que perdura después del final, poniendo sobre la mesa una constante que toda persona experimenta en alguna ocasión al ser un ente social, ¿quiénes somos y qué impulsos son los que controla nuestra razón? ¿Estamos conscientes de ellos? ¿Dominarán cuando las circunstancias seas las propicias o podremos mantenerlos a raya?

 

Trailer más completo, pero con subtítulos en inglés

The black phone (2022) - Máscaras malévolas

Las narrativas evolucionan junto con la sociedad que las produce. El terror no es la excepción, y dado que la tendencia de la mayoría es racionalista, lo sobrenatural e inexplicable suele ser ahora atribuido a la ciencia, a la percepción distorsionada del narrador, o en el mejor de los casos, se fusiona con nuestro mundo de tal modo que no sabemos cuándo algo es real y cuando no, operando más en un marco simbólico.

Atrás han quedado muchas historias donde lo que desafía la norma existía porque sí, porque no necesita que nos digan cómo funciona, solo cohabita con nosotros y ya. Aquí radica lo relevante de The Black phone, introducir elementos inexplicables y que los personajes no malgasten tiempo elaborando teorías para saber por qué intervienen esas fuerzas. Otro factor que hace referencia a las viejas mecánicas del terror es que aquí no se romantiza al villano, no hay justificación de por qué hace lo que hace, no se busca humanizar la maldad, simplemente es tener un enemigo al cual vencer, sin matices grises de por medio. Y contrario a lo que los espectadores acostumbrados a la nueva tendencia esperarían, que falle, no es así, eliminar retrospectivas innecesarias permite centrarse en lo que hay que resolver y cómo hay que hacerlo.

The black phone trata sobre los hermanos Finney y Gwen Blake, que viven en un suburbio de Denver, el cual es presa del pánico porque los niños están desapareciendo a manos de un sospechoso apodado "El Raptor", del cual poco se sabe. Esta amenaza incomprensible termina por secuestrar a Finney, quien será encerrado en un sótano insonorizado, encontrando ahí un teléfono negro desconectado de la línea que le permitirá comunicarse con las víctimas anteriores, con los ecos de los niños que han fallecido en ese mismo lugar, ayudándolo a sobrellevar el encierro y la conducta errática de su carcelero.

La atmósfera construida entre el precario sótano y las cicatrices dejadas por los niños que precedieron a Finney, junto con las máscaras que porta El Raptor (interpretado por Ethan Hawke, quien a pesar de no mostrar su rostro por completo, emplea su lenguaje corporal, la voz y los ojos, para transmitir el peligro que representa su personaje), genera un ambiente clautrofóbico que mezcla bien los elementos espectrales con la amenaza encarnada, pero sin perder de vista en ningún instante que quienes están atravesando este calvario son personas con debilidades humanas que harán uso de cualquier ayuda que se les presente ante la desesperación.

Scott Derrickson, conocido por Siniestro y El exorcismo de Emily Rose, dirigió y contribuyó al guión que adaptó el cuento de Joe Hill del mismo nombre, agregando más capas que las que tiene la historia original, dando un tono diferente, pero que ciertamente es efectivo para el tipo de narrativa elegida. Entre lo agregado, tenemos que El Raptor utiliza máscaras para acentúar cómo se siente (máscaras supervisadas por Tom Savini, una leyenda en el género), así como escenas que sin problemas recordarán a un icónico villano creado por el papá del mismo Hill (Stephen King), el payaso Pennywise.

The black phone rompe con las tendencias recientes del terror, no deja en duda si existe lo sobrenatural, no lo encajona en lo científico, y mucho menos nos da un villano por el que sintamos lástima o admiración, pues estamos ante una fuerza de malevolencia pura. Con esto se demuestra que todavía existen películas hechas con los estándares de la vieja escuela que pueden levantar la cabeza con orgullo hoy en día.

Stray (2022) - El amenazante exterior

La oscuridad casi siempre funciona como el simbolismo de lo apagado, lo derrotado, la muerte, lo que ha perdido la chispa para seguir adelante, en tanto la luz es la vida, el triunfo, lo que no baja la cabeza ante la desgracia y se mueve al frente. Este principio es aplicado a Stray y su mundo de penumbras plagado con luz artificial.

La historia empieza cuando el gato está paseando con sus compañeros en un ambiente soleado y abandonado por la civilización, donde la flora ha reclamado el terreno como suyo y la fauna campa a sus anchas sin intervención humana. Sin embargo, el gato no mide bien un salto y resbala hacia una garganta oscura que lo engulle y deposita en un lugar contrario al que habitaba momentos atrás; la naturaleza apenas asoma con timidez, se huele la fetidez de la desolación, los sonidos aislados causan desconcierto, y el sol ya no alcanza a acariciar el suelo. Aquí reinan robots que simulan el comportamiento humano, donde la vida mamífera es ajena, y es algo que no se ha visto en mucho tiempo, tiempo en que los ancestros humanos habitaron ese refugio también. El gatito encuentra eventualmente un dron que está dispuesto a ayudarlo para regresar arriba, pero el camino no es tan simple, pues no tan solo deben superar a los temibles zurk, que despachan toda vida, sea artificial o biológica, también hay que atravesar otras amenazas que pondrán en peligro sus existencias.

En este subsuelo, tenemos seres privados de la luz del sol, metidos en rutinas que se han prolongado por tiempos indefinidos, acostumbrados a guardarse, cobijados por la falsa calidez de su alumbrado artificial, etiquetando de insubordinación y casi locura a quienes buscan llegar arriba. ¿Y no es así para ciertos sectores hoy en día? Gente que se niega a salir de su zona de confort y se aferra a las "bondades" de la tecnología, repitiendo la rutina como si estuviera programada con cincel en su cerebro, negando el amenazante exterior, la luz que cegaría sus pupilas si abandonaran esa oscuridad, que se vuelve tolerable al ser mitigada por la luz de los aparatos electrónicos. Tiene que ser un agente externo quien rompa ese mundo frío y tecnológico, en este caso, un gato, un animal que representa la independencia y la curiosidad por explorar más allá. Junto a su amigo dron, esta unión de lo externo y lo interno, la luz y la sombra, lo que está arriba y lo que se esconde abajo, demostrará lo que es posible lograr trabajando en equilibrio.

Stray tiene características cyberpunk, no solo por su estética de luces neón, oscuridad, una ciudad marchita y un modo de vida que deja qué desear, sino porque también explora la opresión en la sociedad y la respuesta de un individuo que rompe el molde al querer marcar la diferencia. El juego es engañoso en un principio, pues uno imagina que trata solo sobre un gato añorando alcanzar el exterior y pasando peripecias para conseguirlo, pero conforme avanza y se llega a otros lugares, florecen varios temas que son digno de integrar a su folclore, el cual, como muchos juegos de este tipo optan por manejar, se encuentra disperso entre comentarios, letreros, charlas ocasionales y observar el ambiente, dando una narrativa simple en su superficie pero con muchos detalles de fondo.

Con una historia emotiva, un protagonista adorable que captura a la perfección la naturaleza de los mininos, y un par de pequeñas sorpresas en los capítulos, Stray es un juego que dura alrededor de 4 horas si solo se busca acabarlo, pero se expande a 6-8 si hay interés por conocer más y escarbar en cada rincón para aprovecharlo al máximo; querer evaluarlo solo por su duración sería injusto, ya que estamos ante una obra que destaca por el concepto, por la experiencia que ofrece, y a la cual, alargarla para cumplir estándares hubiera arruinado el resultado.

Moths (2021) - El amor como castigo

Emily Kai necesita tomar una decisión, activar una habilidad especial y poner en marcha un reloj que acabará con su vida en seis meses, o vivir como un agente pasivo sin jamás manifestar ese don, teniendo siempre la incógnita de lo que pudo ser. Su padre ha muerto como consecuencia de un virus que ella le contagió, solo que ella lo asimiló, causando que su madre, después de optar por la eutanasia de su esposo, la culpe por lo sucedido, la abandone y la mantenga monetariamente desde otro país porque le resulta insoportable verla. A raíz de este abandono, sintiéndose un "desperdicio de materia", Emily opta por echar a andar la cuenta regresiva y activar su poder.

A pesar de ser un spin-off de The resistance, Moths puede leerse sin problemas. Sí habrá detalles que referenciarán a su obra base, pero esto no es un freno para comprender los temas que esta novela gráfica explora a lo largo de 6 capítulos. J. Michael Straczynski, el autor, afirma que en estas series busca imbuir esperanza, pero mostrando al mismo tiempo la dificultad que presenta la vida, nada es azucarado, hay que batallar para salir adelante.

Y aquí es donde la habilidad de Emily entra a la ecuación, la empatía (aunque está mal empleado este término como se definirá más abajo), algo imperceptible para los ojos y oídos, que incluso levanta cejas de incredulidad, ¿cómo es que eso se considera algo sobrenatural para el cuerpo? Si nos atenemos nuevamente al individualismo que identifica a esta sociedad, sentir lo que otra persona siente sí sería un superpoder. La empatía ha tomado relevancia en los últimos años para tratar de paliar ese exceso individualista donde todo es "yo"; ha sido un concepto que pretende suplir la falta de resonancia que antes había cuando éramos comunidades más unidas que coexistíamos bajo las mismas ceremonias y símbolos, cuando la compasión no se malinterpretaba y no era un erróneo sinónimo de lástima. Si tomamos en cuenta que Emily no se limita a sentir lo que otros, sino también a ayudarlos, en realidad su poder se aproxima más a la compasión, porque la empatía se queda solo en el sentir.

Con esto de base, la historia plantea diversos temas respecto a preocuparse por los demás. Tras haber vivido el rechazo de su madre, y sabiendo que tiene 6 meses de vida, Emily se embarca en una misión para que la gente sienta lo que es amar a otros, descubriendo que su poder le permite hacer otras cosas, como que los ciegos sepan qué es ver y los paralíticos disfruten cómo es bailar, pero también encontrará que es una antena capaz de castigar, transmitiendo la negatividad de los ecos difuntos.

De los planteamientos de Moths, el que más resalta es el que pregunta, en esta época de individualidad, donde es difícil enajenarse de uno mismo para vincularse a otros, donde se complica dejar de pensar en uno para preocuparse sinceramente por los demás, ¿es el amor un castigo? El amor por uno mismo es la norma que nos venden, pero cuando implica otra persona se convierte en una carga que muchos no están dispuestos a asumir, dejar de lado el hedonismo y sus intereses para relacionarse con alguien se está volviendo más inusual en una sociedad que solo busca una conexión (tal como lo postulan las redes sociales), la cual, así como un aparato electrodoméstico, puede desconectarse en cualquier instante y desaparecer virtualmente, pero una relación involucra un contacto físico donde la desconexión no es así de fácil, requiriendo un compromiso, algo que también se ha perdido, pues con tal de probar todo lo que los medios nos presentan, se salta de un objeto a otro, de una conexión a otra, sin profundizar, sin amar.... Allá se manifiesta el amor como un castigo, allá cobra relevancia el poder de Emily, un visión que distingue entre quienes cuando les abres la ventana, no se conforman y abren la puerta para salir y experimentar el nuevo panorama que ahora conocen, y los otros, aquéllos que temen lo que hay más allá. prefieren cerrar ventana y cortinas para encerrarse en sí mismos junto con el orgullo, el vacío y el sufrimiento que trae la soledad.

Lo único en contra de la obra es que, quiere aproximar las interacciones de Emily a la realidad que vivimos con los medios de comunicación, usando discursos y palabras que oiríamos en noticieros, esto provoca una visión muy en blanco y negro, donde se simplifica e idealiza la representación de los jóvenes que proponen cambiar el mundo. Si dichas escenas hubieran usado términos menos en boga, no existiría este ángulo mal expuesto de víctima y victimario, donde la juventud es presa de unos medios voraces que todo tergiversan (que sí, es la realidad), pero también se evade que estas generaciones actuales se distancian de la realidad al verla mediante el filtro de una ideología. Abordar esto apropiadamente, hubiera complicado y desviado la historia de su objetivo, pero el modo en que lo hace tampoco es el indicado, pues deja la realidad a medias y mal manejada.

Los superpoderes tienden a destacar y anhelarse porque, de existir, ayudarían a solucionar problemas que nos atañen, y aunque el poder de Emily sea inútil para un materialista o un utilitarista, es un reflejo de lo que el ser humano actual necesita, vínculos que lo llenen, que demuestren que no estamos solos, y que no todo es consumir y lucir bien para los demás, que también hay que enajenarse de uno para descubrir el mundo a través de los ojos de los demás. Moths es una historia con un arte de corte realista que en sus 6 capítulos, tiene mucho qué decir.

 

Spriggan (2022) - Herramientas de destrucción masiva

Desde el inicio de los tiempos, el ser humano ha creado herramientas para someter el ambiente a su voluntad, herramientas que en un principio se orientaron a asegurar la supervivencia, pero conforme esa necesidad se cubrió, evolucionaron a instrumentos de batalla, de conquista, con la nueva misión de someter a otros humanos. El avance de estas herramientas ha sido diverso, pero el hombre tiende a demonizarlas y darles el peor uso posible. Por citar una de las más recientes, el internet, una red que al principio cargaba el sueño de llevar información hasta los rincones más inaccesibles, y que hoy se ha convertido en el abanderado de la manipulación y la opresión, donde las esferas de poder luchan para mover a los rebaños a su voluntad. Esa tendencia ha plagado la historia humana con cada nuevo descubrimiento, llevando una parte buena y una mala, tomando la mala en ocasiones décadas para ser evidente, ya que vivimos embelesados por los avances y el progreso continuo, tal como sucede con el internet y las redes sociales, donde no todos perciben los males que provoca.

Por debajo de su trama de acción y violencia, Spriggan trata esto y cuestiona varias cosas, por ejemplo, si estuviéramos al borde de la extinción y ocultáramos nuestras armas, instrucciones e invenciones más nocivas para advertir en el futuro a los sobrevivientes sobre los daños colaterales de adoptarlas, ¿nos harían caso? ¿Acaso cuestionarían por qué no las destruimos en lugar de ocultarlas? ¿El hambre de poder tomaría las riendas y provocaría una competencia para apoderarse de ellas? O peor aún, ¿se entercarían los humanos del futuro en encontrar y aprender a usar estas reliquias para subyugar al resto? Muy posiblemente sí, la historia así lo dicta, siempre habrá un líder inconforme que querrá expandir sus fronteras, torcer la realidad a su favor, tener más gente e inspirar miedo para afianzarse a la cima.

Spriggan sigue a Yu Ominae, un estudiante de dieciséis años con un aire ingenuo que trabaja como un agente spriggan para ARCAM, una organización con la labor de buscar, resguardar, y hasta destruir si es el caso, unas reliquias del pasado que demuestran el gran alcance tecnológico que tuvieron las civilizaciones antiguas que, al percatarse del poder destructivo de sus invenciones, decidieron esconderlas y dejar advertencias para quien las encuentre en el futuro, con la esperanza de que hagan caso a la historia. No obstante, el ser humano será el mismo ahora, en el futuro y milenios atrás, por lo que se desata una carrera por obtener estos recursos arcaicos, en aras de poder y superioridad moral. Algo sutil y que vale la pena remarcar, es la insistencia del anime en utilizar a Estados Unidos como el más empecinado en conseguir las reliquias, dejando un reguero de cadáveres en el camino, un reflejo de nuestros días, donde es el país que siente tiene el derecho de decirle a otros qué hacer, señalar errores, y ejercer dominio mediante su milicia y sus ideologías.

Este mensaje sobre la tecnología es claro en ciertos segmentos de los 6 episodios de la serie (que en realidad serían 12 si nos ceñimos a la duración convencional de un capítulo de anime, pues cada uno de los 6 dura 45 minutos, siendo una historia que inicia y concluye), pero en otros es opacado por las escenas de acción, los atisbos de comedia y la violencia, la cual no retrocede para mostrarnos muertes crueles y ríos de sangre, pero sin llegar al gore que exhibe visceras sin reparos.

Si bien Spriggan es un manga que ya tuvo una adaptación en 1998, esta nueva versión hace un buen trabajo animado, aunque sí es notoria en la narrativa un problema con Yu Ominae como personaje, pues requiere más desarrollo, aparte de que falta un mejor equilibrio entre su vida cotidiana y la de agente spriggan, ya que las escenas como estudiante se sienten de más y no alcanzan a integrarse apropiadamente con la historia, lo que quizás se corrija en una potencial segunda temporada.

Otras narrativas han tratado este tema de la tecnología antigua como un elemento para advertir a la humanidad sobre los peligros de un progreso imparable e irreflexivo, pero es bueno verlo plasmado en un anime como Spriggan, que a pesar de apuntar más al entretenimiento, lleva un buen mensaje de fondo.