Arcane (2021) - Cicatrices del progreso

 

Pocas veces se ve una adaptación con un corte tan completo como Arcane, quien no conozca el material original (el juego de eSports, League of Legends) la disfruta sin problema alguno, los jugadores reciben referencias y guiños al por mayor, los personajes son entrañables, la animación es excelsa hasta en los momentos caóticos, la edición al hacer paralelismos combina momentos dramáticos para realzar el sentimiento de dos escenas diferentes... entre otras cosas que valdría la pena mencionar. Si a todo esto sumamos que refleja lo que vivimos en sociedad como seres humanos, nos encontramos ante un producto bien pensado que hace uso de sus diálogos para profundizar en su analogía:

"Esta ciudad se fundó para ser un bastión de ilustración en un mundo que se canibalizó por el poder y el orgullo. Pero lo olvidamos. Relajamos nuestra moral en favor de la comodidad y la conveniencia. Intercambiamos honor por prestigio. Alguna vez fuimos una tribu, ahora somos casas divididas."

El comportamiento del humano se puede deslizar con facilidad hacia esa dirección, la comodidad y conveniencia, el prestigio, el ignorar al otro y concentrarse en lo que reditúa ganancias, es un eterno conflicto interno donde se decide lo que hay que hacer poniendo en balanza los principios y el confort. Así, en una actualidad donde se ha acentuado el concentrarse en uno mismo, y si acaso, en la familia nuclear, nos hemos vuelto casas divididas.

Si bien, Arcane no exagera en llevar esta metáfora a un punto realista, (porque cuál es el objetivo de retratar la realidad exacta en una obra de fantasía, dejaría de ser fantasía y sería infiel al material que adapta), sí da las pautas para usar su historia como una palanca para ver nuestra sociedad y las acciones de ésta. Hay muchas otras tramas que se tejen en esta confrontación entre aferrarse a cómo se hacían las cosas y los peligros que representa adoptar una nueva forma de ver el mundo, planteando cómo el comportamiento humano es el mayor peligro cuando hay un descubrimiento, y no el descubrimiento en sí.

¿Hago esto para demostrar quién soy o por la aprobación de los demás?, ¿qué tanto valen nuestros principios?, ¿quién es el enemigo cuando el mundo entero se nos viene encima?, ¿cuánto comprendemos de lo que hay allá afuera cuando buscamos una solución?, ¿en realidad respetamos al otro con nuestras acciones?, son solo unas de las tantas preguntas que se filtran con sutileza entre los episodios de Arcane mientras desenvuelve su trepidante trama, mostrando simbolismos que invitan a ver más allá del mero entretenimiento cuando se analiza a sus personajes.

La historia comienza con Vi y Powder, unas hermanas que viven en las partes bajas de la ciudad de Piltóver, llevando una vida difícil, pero que no se compara a los engranajes que pondrán en curso cuando les falle un robo silencioso y exacerben los roces entre facciones, destapando un disgusto social que buscaba un pretexto para estallar. En lo alto de Piltóver mientras tanto, Jayce, a quien le invadieron su laboratorio por el grupo de Vi, enfrenta un juicio cuando se descubren los secretos de su investigación, despertando la curiosidad de un sector que no se opone a las blasfemias que desarrollaba a escondidas y que desea romper el tradicionalismo con que se gobierna.

Con una segunda temporada ya planeada, Arcane demuestra en nueve episodios que es posible satisfacer a todo mundo si se pone al personal apropiado a escribir y dirigir; tira por la borda  todas las excusas que los estudios grandes ponen cuando una adaptación fracasa para satisfacer a los fans, o a la audiencia en general.

Los mitos de Cthulhu (1973) - Visualizando lo incognoscible e indescriptible

"Me di cuenta muy pronto de que el lenguaje tradicional de cómic no podría representar satisfactoriamente el universo de Lovecraft"

"No quería ofrecer al lector únicamente mi propia visión; también quería que cada lector añadiese algo suyo, que utilizara la base que yo le proporcionaba para vestirla de sus propios temores, de su propio miedo"

Alberto Breccia fue un precursor con esas frases. Con el paso de los años, la obra de Lovecraft sería estudiada más allá de las constantes críticas que siempre se habían lanzado contra su exceso de adjetivos que nunca describían por completo al monstruo o lugar. Este dibujante entendería antes que muchos profesionales lo que buscaba la literatura lovecraftiana, usar el lenguaje para que nuestro cerebro se embote ante el rosario de palabras y combinaciones inesperadas de éstas, para que la visualización mental de la criatura indescriptible sea tosca, imprecisa, y sobre todo, nuestra.

Para conseguir este efecto, los trazos en blanco y negro de Breccia se mueven entre el monotipo, el collage y muchos otros, presentando ilustraciones caóticas que desafían nuestra concepción del monstruo o la situación, para luego, ignorando el dibujo previo, refine sus siluetas y bordee el realismo. Este cambio constante de estilo, más que desencajar, crea una línea donde no sabes qué esperar, ya no en la siguiente página, sino en la siguiente viñeta. Este trabajo no se terminó en un par de meses, las adaptaciones fueron realizadas a lo largo de dos años y publicados por primera vez en Italia en la revista Il Mago en noviembre de 1973, y a pesar de su antiguedad, sigue siendo tan recomendable como lo fue en su época.

Los mitos de Cthulhu no fueron escritos sólo por Lovecraft como nos han hecho creer los medios en las últimas décadas, fue una colaboración de relatos elaborada entre varios escritores con los que Lovecraft se carteaba, y entre los cuales hubo gente de vital importancia para el desarrollo literario del siglo XX en el terreno fantástico. Nombres que destacan, aunque en la actualidad pueden no ser conocidos, son Robert Ervin Howard (creador de Conan el Cimerio, Red Sonya y Solomon Kane), Clark Ashton Smith (El ciclo de Hiperbórea y los cuentos de Averoigne), Robert Bloch (Psicosis que luego adaptaría Alfred Hitchcock) y August Derleth (no un gran literato, pero sí el encargado de dar a conocer a Lovecraft junto con Donald Wandrei después de su muerte y revitalizar la tendencia Weird). Con esto como precedente, cuando se escuche, lea o diga, que este libro de Breccia contiene más de la mitad de los mitos de Cthulhu, se refiere a solo aquéllos escritos por Lovecraft.

La recopilación incluye adaptaciones de

• El ceremonial
• La cosa en el umbral
• La sombra sobre Innsmouth
• La ciudad sin nombre
• El horror de Dunwich
• El llamado de Cthulhu
• El color que cayó del cielo
• El morador de las tinieblas
• El que susurra en las tinieblas
  

Es comprensible que Breccia y Norberto Buscaglia (quien hizo los guiones) no hayan adaptado La sombra fuera del tiempo, En las montañas de la locura y El caso de Charles Dexter Ward, pues son tres de las obras más extensas de Lovecraft y comprimirlas en a lo mucho 17 páginas, sería un crimen que arrebataría su esencia a dichas historias. Las que forman parte de este recopilación cambian detalles y se deshacen de varias descripciones del original, pero se mantienen fieles al espíritu del terror cósmico.

Estos adaptaciones son una perfecta introducción para quienes no hayan leído a Lovecraft y un complemento ideal para los conocedores de sus historias. No deben tomarse como un sustituto y creer que porque ya leyeron esto, ya conocen al legendario autor de Providence, pues explorar su reveladora filosofía acerca de la verdad, la tentación del ser humano ante el conocimiento prohibido y cómo nos enfrentamos a lo desconocido, son temas que merecen profundizar y aplicarlos en otras narrativas modernas para tener un abanico más amplio al evaluar los mensajes que se esconden detrás de las capas del terror.

Hellbound, Rumbo al infierno (2021) - Cosmovisiones fragmentadas

Cuando la ilustración llegó a imponer la razón como medio de comprender el mundo, relegando a las religiones y encajándolas en el terreno sobrenatural, inició un cambio que, hasta el día de hoy, no ha encontrado cimientos firmes para ayudar al ser humano a transitar por el mundo en una inalcanzable utopía gobernada por la lógica absoluta. Esta escisión fragmentó la cosmovisión y propició que se busque sustitutos en diferentes rincones. Así al día de hoy tenemos que la gente, en vez de escuchar a un pastor o sacerdote, se refugian en un influencer o coach para dictarles cómo llevar su vida; en vez de seguir mandamientos se reclama al estado por leyes (hasta puntos exagerados) que regulen nuestra convivencia; en vez de rezar, se repiten mantras para ser positivo y feliz todo el tiempo, aunque por dentro uno se esté despedazando; en vez de pedir por el alma, se deposita la confianza en que la ciencia conseguirá copiar nuestro cerebro en la red para darnos una vida eterna digital... Y así se podría seguir, buscando equivalentes entre el modo de ver el mundo antes y ahora, estudiando cómo el humano busca cubrir estos cambios con diferentes opciones.

No es de extrañar que ante esta fragmentación, si llega una "convincente" cosmovisión que facilite cómo vivir, aunque sea en torno al miedo y la humillación pública, se salte desesperado hacia ella como si fuera la respuesta a todo, sin cuestionar lo que yace tras sus estamentos. Acá es donde Hellbound demuestra lo que ocurriría hoy en día, explorando diferentes matices de esta necesidad de creer en algo que trasciende el mundo materialista, aunque hacerlo implique someterse al castigo.

La serie tiene una narración magistral a lo largo de seis episodios, donde no se desvía hacia historias secundarias y se centra en el drama central y el conflicto, tomándose incluso el lujo de hacer dos arcos argumentales donde pocos personajes repiten, pero todo girando siempre en torno a la idea principal, los humanos recibiendo advertencias por parte de una entidad incorpórea que los condena a ir al infierno a una hora y día determinado, para que en el instante vaticinado, independientemente del lugar, aparezcan tres armatostes oscuros para dar un violento fin a la persona y extraer su alma hacia otro plano.

La cantidad de temas que se tocan para los escasos episodios es igual impresionante, pues no se sienten incompletos, de relleno o que están ahí para impresionar, hacen una sinergia apropiada entre todos para explorar el comportamiento del ser humano ante un evento de esta magnitud, explorando nuestro comportamiento hasta sus recovecos más oscuros. Entre los puntos a reflexionar están, la posición que tenemos frente a Dios, la necesidad de tener un significado ante la muerte, la superioridad moral que lleva a los individualistas a imponer su visión por la fuerza sin pensar en el otro, la tiranía que se alcanza cuando se posee la supuesta verdad y ésta se tuerce con tal de mantener el poder, el placer de ver "la justicia" aplicada aunque no conozcamos al infortunado y lo que lo orilló a ello, el uso del morbo y acusaciones infundadas para ganar relevancia en los medios aunque esto condene a desconocidos, lo fácil que es intimidar y mover a las masas que buscan respuestas simplificadas ante lo absurdo del mundo actual, la urgencia de darle significado a lo inexplicable sin importar el nivel de megalomanía y las consecuencias que tenga en la sociedad con tal de que uno se "sienta satisfecho".

Pero no todo es hipocresía y usar al pecado como moneda de cambio para juzgar nuestro lugar entre la sociedad, también hay sitio para demostrar cómo en las penumbras, el amor y la esperanza son capaces de hacer frente a lo desconocido y darnos una luz en instantes en que tenemos todo en contra.

Si bien, a pesar de buena la recepción que ha tenido, Hellbound no tiene planes, al menos en el instante de publicar esto, de elaborar una segunda temporada. Sin embargo, el creador Yeon Sang-ho (quien dirigió la laureada películas de zombis, Train to Busan o Estación Zombi) ha afirmado que sabe cómo continuar la historia, y en lo que se confirma la filmación de más capítulos televisivos, él piensa seguir en el formato webtoon (acá se puede encontrar,  Hellbound)

Basada en el cortometraje del 2006, The Hell (Two Kinds of Life), contando con escenas fuertes, que no recurren al gore para impresionar, Hellbound es una historia que se encuentra en Netflix y dejará un buen sabor de boca a quienes deseen una narrativa que se sumerja en la fantasía, el terror y la reflexión de quiénes somos en esta época donde estamos conectados y disponemos de información por doquier, pero como sociedad estamos más aislados e ignorantes que nunca ante este mundo implacable.

Last night in Soho (2021) - Idealizando los pecados del pasado

En nuestra era actual, los medios de comunicación se valen de notas amarillistas para vendernos una imagen catastrófica del mundo, generando más vistas hacia sus páginas y transmisiones. La necesidad que tenemos de procesar esta violencia de afuera y comprenderla debería apaciguarse al recurrir a las historias de ficción, pero por desgracia nos restriegan sin tregua esta visión caótica de la realidad por donde miremos. Ante este presente atroz y un futuro incierto, la solución más práctica para muchos es refugiarse en la nostalgia, en un pasado idealizado donde nuestra atención se encauza hacia los buenos momentos, ignorando los episodios tristes y los infortunios que igual lo plagaron, creándonos una ilusión al decir que "antes estábamos mejor". Last night in Soho es una muestra de cómo esta burbuja se rompe con facilidad cuando ahondamos en nuestra mentira.

Eloise es una chica de campo que se siente muy atraída por los 60s, su estética, su música, el glamur, la vida nocturna, entre más cosas. Cuando recibe una beca para asistir a la escuela de moda en Londres, su abuela le advierte que tenga cuidado con lo abrumadora que puede ser la gran ciudad, porque su madre apenas y soportó ese peso. Al llegar, los dormitorios universitarios le ofrecen una atmósfera desagradable donde no encaja, por lo que decide buscar un departamento donde alojarse y tener su espacio. Es ahí donde la joven, al dormir, será transportada a los 60s para encarnar a Sandie, una mujer muy segura de sí misma que se propone conquistar el estrellato y llegar a la fama. Su obsesión por regresar a ese mundo al tumbarse en la cama hará que Eloise se niegue al presente para retornar a esa época que tanto adora, y entender lo que significó vivir esa década... con todo y las consecuencias que le traerá.

La mancuerna realizada por Eloise (Thomasin McKenzie) y Sandie (Anya Taylor-Joy) es magnífica, las actuaciones de ambas imprimen el drama necesario a la historia, en especial con la pausada evolución hacia el terror que maneja. El director Edgar Wright (conocido por Shaun of the dead, Scott Pilgrim y Baby driver) logra una ambientación atractiva que absorbe con sus colores, sus juegos de espejos y el enigmático entretejido del pasado y el presente.

La historia está bien estructurada, al grado que hay comentarios sutiles al inicio, sin aparente relevancia, que serán importantes al final cuando se revele todo. Aunque este momento es quizás el eslabón débil del filme, pues si bien la resolución no es mala, el modo en que se aborda es un poco hollywoodense, y para cierto sector no hará justicia a la oscuridad del resto de la historia, sin embargo no hay que permitir que este pequeño traspié nos aleje de disfrutar del largometraje como un todo.

Otra sorpresa del 2021 que contribuye a la necesitada resurrección del género del terror como un medio para pensar sobre nuestro mundo y hacia dónde vamos, Last night in Soho es recomendada para los aficionados al cine de Wright o quienes gustan de una narrativa psicológica bien presentada.

Lamb (2021) - Ante el dolor insuperable, cuidado con lo que deseas

Entre las tragedias de la vida se encuentra afrontar la pérdida de nuestros seres queridos. En una sociedad como la que vivimos, donde la felicidad debe reinar siempre y el sufrimiento evitado a toda cosa, y donde los vínculos con otros son difíciles de sostener, lidiar con estos momentos terribles puede derivar en episodios que no se superan y que extienden sus tentáculos hacia otras áreas de nuestra vida, oprimiéndonos y entorpeciendo nuestro desempeño diario.

Lamb aborda este tema con su narrativa provista de pocas palabras y contados momentos clave que evidencian el tortuoso pasado que el matrimonio de María e Ingvar son incapaces de superar. La pérdida de su hija los acosa en su vida aislada cerca de las montañas, una vida cuidando ovejas, sin contacto con otros, sin modo de sobrellevar su pena, conteniendo todo el dolor en el claustrofóbico envase que compone su hogar y su rutina diaria, despedazando su unión con parsimonía e integrando esta destrucción a sus actividades cotidianas.

Es en ese punto cuando nace un cordero con una deformación que los hace cruzar las miradas, incrédulos ante lo que presencian... Y desesperados por llenar el vacío que tienen, adoptan a la criatura como un sustituto de su hija perdida, revitalizando su matrimonio, recuperando el tiempo perdido, pero también condenándose a una insana obsesión, una quimera que los ausentará de la realidad.

Los defectos más notorios de la película son los efectos por computadora que dejan qué desear a menudo y, para quienes están acostumbrados a una cadencia narrativa más lenta y contemplativa como ésta, que hay escenas o tramas que pueden ser retiradas y más que afectar el resultado, consolidaría la historia para el momento en que se llega al inesperado y tajante final, que es cuando cae una pesada cascada encima de los personajes y detona el auténtico mensaje detrás de la aparente felicidad que vivían.

Con una buena actuación de Noomi Rapace, interpretando a la taciturna María, estructurada como una leyenda folclórica, y hablada en islandés, Lamb no es una película concentrada en ser de miedo como la han promocionado, es más bien un drama fantástico que se encamina sutilmente hacia un cierre que explora el terror detrás de esos paliativos que nos alejan de los duelos, y que nos recuerda que debemos  tener cuidado con lo que deseamos.

Blame! (1997) - El opresor infinito como terror cósmico

El terror cósmico en cómic, novela gráfica o manga, se tiende a asociar con dibujar la criatura más grotesca que se pueda imaginar (gravitando hacia un impacto visual), en vez de tomar parte de la esencia del género, que consiste en mostrar la insignificancia del ser humano ante lo que no alcanza a comprender.

Blame! es catalogado como terror por las combinaciones abominables de carne y tecnología que aparecen a menudo en sus páginas y que recuerdan a la estética de H.R. Giger. Pero lo que pasa de largo es el ángulo de terror cósmico que tiñe esta obra desde el inicio y lo aompaña hasta el final, camuflajeándose bajo una atmósfera que oprime no por sus espacios cerrados, sino por sus espacios abiertos.

El manga puede leerse, si uno se centra en los casi inexistentes diálogos, en cuatro horas a lo mucho. Pero si se aborda prestando atención a cada viñeta, aunque esta carezca de letras, la escasa comunicación entre los personajes y la pequeñez del protagonista ante los vertiginosos e imponentes escenarios que recorre, crean una sensación de vacío que se incrementa conforme más se avanza. Las desmesuradas construcciones tienen una perspectiva que sólo alguien con estudios en arquitectura como Tsutomu Nihei, el autor y dibujante, podría realizar. Y es que las imágenes más grandes son capaces de absorber la mirada si se estudian lo suficiente sus proyecciones, que a veces van aderezadas con una óptica que recuerda las visiones imposibles de M.C. Escher.

Este interminable recorrido a través de las ciclópeas construcciones que se componen de interminables niveles, en principio incapaces de comunicarse entre sí, generan un infinito opresor que junto a un tiempo que se dilata y comprime como si nada a través de varias décadas (y tal vez siglos), deja pensando sobre cómo Killy, el protagonista, ocupa un lugar tan ínfimo en un complejo universo donde busca hacer una diferencia con su misión asignada.

Y es que esta misión es tan simple como buscar un ser humano con genes que le permitan conectarse a la red, para lo cual no parará de buscar y atravesar diferentes niveles con tal de encontrarlo. Para ello, se vale de una pistola de gravitones, capaz de destruir todo lo que encuentre a su paso hasta por setenta kilómetros. Killy se topará humanos viviendo en estado tribal, criaturas de silicón, los salvaguardas y la gerencia, facciones que lo ayudarán o le impedirán el paso para continuar su sempiterna búsqueda. Al ser Killy alguien que habla en contadas ocasiones, y con quien la única conexión que tenemos son sus expresiones faciales, nos encontramos ante un protagonista silencioso que adquirirá el matiz que nosotros llevemos con la historia.

Blame! cuenta con una película producida por Netflix, que se puede posicionar dentro de la historia del manga como un capítulo más de éste, una mini secuela de 16 páginas llamada Blame² y la precuela NOiSE, que es fumdamental para entender el pasado de este mundo. Si algo hay que aclarar, es que este manga, más que ser una historia detallada, es una experiencia, pues mucho del folclor que construye el mundo se haya en lo visual y comentarios sutiles, dejando mucho a la interpretación.

La obra es muy recomendada para quienes deseen experimentar algo diferente en la narrativa manga, así como un modo de transmitir el terror cósmico mediante dibujos. Si se desea conseguir en físico, se sugiere buscar la Master Edition, ya que cuenta con una impresión más grande que permite sumergirse en las hercúleas construcciones que Tsutomo Nihei dibujó.

 

The night house (2020) - Los demonios de la verdad y el vacío

The night house es de las películas que se puede ver desde dos perspectivas, la normal, que la posiciona como un filme más del montón, y la detallada, que nos lleva a un enfrentamiento obsesivo contra la verdad y el vacío, dos de los conceptos que más dificultades presentan en la sociedad cuando es momento de encararlos.

La historia trata sobre Beth y su marido, el arquitecto Owen, con quien vive una vida feliz y estable en una moderna casa que él diseñó y construyó junto a un lago. Sin motivo aparente, Owen se subre a un bote una noche y enmedio del lago se suicida de un balazo, dejando una enigmática carta que no ayuda a entender el motivo detrás de su decisión. A partir de entonces, Beth empieza a vivir sucesos inexplicables que desequilibran su proceso de duelo y la hacen cuestionar los cimientos de su matrimonio, al no entender por qué acabó así. Desesperada por respuestas, empieza a hurgar entre las pertenencias de su difunto esposo, descubriendo libros extraños, diseños arquitectónicos desconocidos y una casa igual a la suya en medio del bosque pero invertida.

Es de destacar el papel que Rebecca Hall interpreta como Beth, pues transmite una sensación de paranoia e inseguridad desde el inicio, al grado que cada vez que su rostro domina la escena, tenemos un personaje impredecible que nos mantiene pensando qué es lo siguiente que dirá. Por el modo en que la historia está construida, viajamos junto con ella, entendiendo su curiosidad por indagar más. Sin importar cuánto le digan sus más allegados que pare y ya no investigue sobre su esposo, que sería lo más sano, tanto nosotros como ella sabemos que el único camino es ignorar los consejos y llegar hasta el fondo.

La manera en que Beth vive cómo su casa, el lugar que se supone la albergaría y daría descanso, se convierte en el centro de las desgracias, y al mismo tiempo, de las respuestas, genera un vórtice adictivo para ella del que no escapará, acrecentando su trauma y amortajándola con los demonios que se ocultan detrás de la verdad y el vacío.

En la superficie, y por el trailer, The night house tiene toda la pinta de la casa encantada con una entidad sobrenatural que persigue sin tregua a la protagonista. La desventaja de apreciarla desde este ángulo, es que el final resultará simplón y decepcionante. Si por otra parte se observa con atención bajo qué circunstancias ocurren los eventos en la historia, se revela una nueva capa narrativa que otorga más sentido a lo último.

El ritmo constante con que nos envuelve, los colores suaves y la iluminación tenue, así como los sustos bien planeados (que no recurren al jump scare evidente plagado de sonidos estridentes), otorgan una atmósfera que convierte a The night house en una reinterpretación del género de casas encantadas, que revela una visión que la hace más verosímil en los tiempos actuales.