Mad god (2021) - Pesadillas en stop-motion

Phil Tippett ha ganado el reconocimiento de la academia y es el creador de los efectos especiales de Jurassic Park,  Robocop y Star wars, por mencionar sus más famosas. Mad god es producto de 30 años de ideas, pesadillas, y grabaciones financiadas por el público, o por su cuenta. Hecha junto con amigos y conocidos en su tiempo libre, este filme pareciera el capricho de Tippett para ir en contra de los guiones formulaicos de la industria, a los cuales critica con énfasis, explicando que los productores piden que para tal página cumplas con ciertos requisitos en tu obra o será rechazada. El largometraje no es solo una miscelánea de ideas, también le ha servido para lidiar con su depresión, la cual confiesa, fue el motor en muchas ocasiones para agregar nuevas escenas.

Mezclar casi todo lo que se te ocurra a lo largo de tres décadas dificulta crear una narrativa sólida, a menos que estés dispuesto a editar y borrar ideas que en el pasado te resultaron atractivas pero que luego colisionaban con las nuevas. Para que funcione, Mad god se convierte en un espectáculo de simbolismos y alegorías que tira por la borda lo convencional, siendo difícil seguirle el ritmo a menos que uno sepa en lo que se está metiendo, una serie de imágenes grotescas y surrealistas con ningún diálogo o letras de por medio, salvo citas del Levítico al inicio. Lo más próximo a una narrativa sería que seguimos al "personaje principal", llamado el asesino, quien desciende a realizar un trabajo en una tortuosa sociedad de almas malditas que simulan al infierno. Está tan marcado cómo es el filme, que los primeros quince minutos son suficientes para decidir si el espectador podrá terminarlo.

Lo que es destacable es la estética, una combinación de stop-motion,  gráficos por computadora, animatrónicos y personas reales, que se amalgaman en pantalla y forman un ecosistema donde la carne, lo computarizado y lo inerte conviven como uno solo. La imaginación de Tippet con las criaturas que diseñó no tiene parangón, y es tan vasto el alcance que se identifican varios estilos que recuerdan a los trabajos de H.R. Giger, Jan Svankmajer, Adam Jones y los videos de Tool, y finalmente los hermanos Quay.

El gore y la violencia están a la carta, y a pesar de que ésta sea ejercida pocas veces contra un humano, no impide que la respulsión aflore en nosotros por cómo es presentada. El carácter sexual no es predominante, pero sí hay simbolismo en las criaturas o tomas que aparecen tras las sombras. Con todo y esto, un repelente para los más conservadores, es innegable la calidad y alcance de Tippet para integrarlo y elaborar la imagen del mundo devastado donde se desarrolla la historia, algo único en la cinematografía, un delirio personal donde hay menciones hasta el hartazgo de cómo el ser humano es tratado hoy en día por el mundo, como un producto reemplazable cuya función es producir y consumir hasta que el cuerpo ya no aguante y sea desechado, o que por el bien del sistema, muera en el trayecto.

Mad god es una élícula de nicho que apenas dura más de 80 minutos y que posiblemente se ganará el estatus de culto en los años por venir. Presentado antes como cortometrajes, el filme es una apuesta que Shudder se ha encargado de traer al streaming y que es apropiada para quienes deseen alejarse del terror más tradicional.

 

Beauty water (2020) - El cuerpo como producto del miedo, y de los medios

 

Beauty water (Gigigoegoe seonghyeongsu) asesta un duro golpe sobre la realidad de Corea del sur, un país que se caracteriza por la alta cantidad de cirujías plásticas que se llevan a cabo. Estar inconforme con el cuerpo es algo común en una sociedad secular donde el alma es cosa del pasado y se desprestigia para dar prioridad a la carne, volviéndola el índice que nos define como persona, y prueba de ello es la vida saludable que venden los medios, productos para adelgazar, rutinas de ejercicio de todo tipo, comidas caras, dietas extremas, y en el caso más exagerado, pero también relacionado, un desprecio por la vejez, donde pareciera que es mejor verse horrible por el exceso de procedimientos quirúrgicos que estar arrugado. Todo esto refleja la triste realidad de un mundo donde la apariencia física define cómo es alguien, creando prejuicios donde cuesta creer que una persona atractiva sea un monstruo.

Corea del sur lleva esto a los extremos, empezando por el lookism, un término que acentúa el prejuicio hacia las apariencias que no cumpla con los estándares de su sociedad, derivando en el exceso de clínicas para realizar cirugías plásticas, normalizando que a las jóvenes los papás les regalen operaciones de este tipo, porque para sobrevivir a la competitividad enfermiza de su país, se necesita lucir bien, y por supuesto, ser un consumista consagrado.

Haciendo uso de esta base, llega Beauty water, agregando a lo ya mencionado otra costumbre de los últimos años, el "hágalo usted mismo", donde nos presentan un líquido que prepara la piel para ser intervenida y modificada, permitiendo que moldeemos el cuerpo como queramos, siempre y cuando dispongamos de los instrumentos y el dinero para adquirirlo. La película hace énfasis en las conductas de la gente cuando interactúan con gente no agraciada, y cómo la actitud cambia al toparse con los atractivos, una inclinación que es mundial, pero que cobra relevancia en el contexto de esta historia.

Hay muchos detalles extra sobre la sociedad que aquí se exploran, la ya mencionada competencia, la obsesión por destacar, la importancia que se le da al cuerpo, y sobre todo, la hipocresía de quienes quieren ser las víctimas del sistema, que esperan que otros les faciliten la vida o que llegue una solución milagro como el beauty water creyendo que será la salida a sus problemas, que por cambiar su cuerpo igual modificará su actitud, sin reconocer que los demonios no se van solo por embellecer el rostro y que hay que imprimir esfuerzo para mejorar o todo será en vano.

La película habla sobre Ye-ji, una maquillista con sobrepeso que es maltratada por la modelo admirada del momento. Pasando vejaciones por parte de la sociedad, Ye-ji se refocila en la vida que tiene, odiando su situación, pero no haciendo nada para cambiarla. Cuando se topa con el beauty water, entrará en un espiral obsesivo para llegar a la cima, afectando no tan solo su percepción física, también la psicológica, afectando a quienes estén alrededor suyo, volviéndose el imán de una amenaza que acecha a las jóvenes coreanas.

La animación tal vez no esté a la altura de los estudios japoneses o hollywoodenses donde el presupuesto hace maravillas para presentarnos las escenas, pero la narrativa y el mensaje social que está inmerso es más que suficiente para sostener la película, que emplea el body horror, en los momentos propicios.

Beauty water es una reformulación de Frankenstein, solo que en vez de un hombre creando una criatura que busca imitar la obra de Dios, tenemos a uno mismo buscando forjar una personalidad distinta al modificar su cuerpo, delineando la silueta perfecta para destacar ahí afuera y ser apreciado. Una película adecuada para quienes desean un filme de body horror con temática, donde se retrata una sociedad repulsiva, consumista, superficial, amante de las redes sociales y los likes, y donde el único reducto que parece guardar escrúpulos, es aquel que no se interesa en pelear porque los volteen a ver.

 

El umbral de lo siniestro (2020) - Reinventando el terror del pasado

Junji Ito dice en el epílogo de este volumen lo que viene repitiendo desde que tocó sus 30 años como mangaka, que su creatividad ya no es la de antes y que cada vez es más difícil hacer una historia original según sus estándares. Y para quienes hayan leído gran parte de su obra, será evidente al leer El umbral de lo siniestro (幻怪地帯, Genkai chitai), pues hay similitudes narrativas con historias antiguas, en especial algunas encontradas en la compilación Voces en la oscuridad (Yami no Koe, o como lo publicó Viz Media, Smashed). Sin embargo, si algo ha caracterizado a Ito, es seguir la filosofía que Poe predicaba, presentar tus temas recurrentes bajo diferentes escenarios de tal manera que se sienta fresco. Aunque uno reconozca la procedencia, no sentirá que lee un simple refrito.

Ito igual confiesa que este volumen fue algo nuevo para él, pues no se vio restringido por el límite de 32 páginas que suele tener para narrar, lo que provocaba que modificara el final y eliminara ideas para ajustarse a lo solicitado. Esto es notorio en las páginas de cada uno de los 4 relatos que componen el volumen, que son números irregulares que pocas veces ha hecho en su obra, pero verlos juntos pone de manifiesto que esta nueva fórmula podría ser lo que necesita de ahora en adelante.

A continuación una pequeña reseña de cada una.

La cuesta de las plañideras (63 páginas) - ¿Qué sucede en una sociedad materialista donde los rituales se consideran obsoletos y se desprecia a la vejez y a los muertos? ¿Si ya no se cree en los ritos y no hay quien vele por las almas que transitan hacia el más allá, éstas se estancan aquí? Bajo esta premisa se construye la cuesta de las plañideras, el relato más completo de la compilación y donde Ito demuestra que le queda mecha para sorprendernos, desplegando una edición y ritmo trepidantes donde la cantidad de eventos que abarca en sus 63 páginas, bien darían para montar un largometraje. Las plañideras son un grupo de mujeres que sienten el dolor de aquéllos que pierden la vida, rompiendo en llanto durante los funerales, paliando el camino para los muertos hacia la otra orilla y evitando permanezcan de nuestro lado. Mayo y Yuzuru son una pareja a punto de casarse que se topa con este grupo de mujeres durante uno de sus viajes, llevándolos a derroteros donde descubrirán que, en las afueras se ocultan conocimientos ancestrales que distan del mundo racional y civilizado de las ciudades que creemos lo dominan todo.

La madona (59 pag) - Ito no es ajeno a los temas cristianos, en Sensor (Muma no Kikou) ya tocaba la persecución de los cristianos que intentaron evangelizar Japón, pero acá se mete de lleno al tema al presentarnos el estricto colegio Tensei y su director Yukirou Tenjou, quien tiene una obsesión por la Virgen María, al grado que sus esposas anteriores han tenido un parecido con ella, para después quedar irreconocibles al envejecer. María es la nueva estudiante del instituto, que será la manía del director no tan solo por el nombre, también por su belleza. En sus andanzas por la escuela, María encontrará sinsentidos, como un temor irracional hacia la esposa del director, estatuas de sal con formas humanas tiradas por los jardines, y un polvo extraño que cae de las orejas de sus compañeras. Ito explora un vertiente delicada pero que podría convertirse en algo que forme parte de sus futuras obras, pues el mensaje del destino reservado para los seres humanos que aspiran a lo divino mediante vías egoístas e impías, da para un buen análisis sobre cómo ha cambiado la percepción religiosa de muchos.

La corriente espectral de Aokigahara (39 pag) - Norio y Mika acuden al pie del monte Fuji para quitarse la vida en el mar de árboles (el bosque de los suicidios), aunque deciden retrasarlo cuando notan una hilera de troncos privados de asperezas. Intrigados por la fuerza sobrenatural que lijó la madera, exploran hasta dar con una gruta llamada la boca del dragón, donde esperarán hasta la noche para comprobar qué causa el fenómeno... Lo que Norio verá, le arrebatará todo deseo de morir, empeñándose en disfrutar los beneficios aportado por lo desconocido, sin sopesar el costo por su nueva obsesión y los cambios que devendrán en su cuerpo. Ésta es la menos intensa de las 4 historias, pero contiene muchos vestigios del antiguo Ito, y el modo en que maneja el enigma, y la atmósfera donde se desarrolla, pone en entredicho la incredulidad de lo acontecido.

El duermevela (41 pag) - Takuya Terada vive preocupado porque cree que es un asesino serial. Durante sus sueños, siente en carne propia cómo mueren las personas que al día siguiente aparecen en los noticieros, presentando todas las características que visualizó al dormir. Al tener en casa los artilugios con que describen al sospechoso, el terror por ser descubierto y la angustia por saber si es él o no, lo carcomerán y convencerán de que es cuestión de tiempo para que cometa un error y lo capturen, resultándole imposible no sentir la mirada acusatoria del cualquier persona. Ito retoma uno de sus temas favoritos, los trastornos del ser humano cuando enfrentan lo incomprensible, cómo se sumen en obsesiones que los lleva a explorar áreas que revelan lo peor de uno.

El body horror está presente en las historias, pero sin forzarlo. Es decir, lo que Ito hizo en Capas de miedo en el 2017 (que es lo más reciente y cercano a sus primeros trabajos), no está presente en ese nivel. Su dibujo se centra en otros aspectos, como un cuidado meticuloso por retratar los ojos en los momentos clave del horror, donde se percibe un nuevo estilo, fruto del dibujo digital donde ya se nota más experiencia en su técnica.

Estas historias se publicaron originalmente en forma digital en la aplicación para teléfonos móviles LINE Manga. En aquel entonces eran parte de una tirada que terminó a principios del 2021. No obstante, ahora este volumen es considerado la primera temporada, pues desde septiembre del año pasado Ito ya está publicando lo que sería la segunda temporada de estas historias.

Mostrando que se está adaptando no solo al formato digital, sino a nuevos modos de publicar su obra, Ito está dispuesto a seguir dando de qué hablar en el futuro y El umbral de lo siniestro es algo que hacía falta que retome, las historias cortas que tanta fama le dieron.

 

Hatching (2022) - El yo desdoblado

Vernos como un ente diferente es algo que nos llegará a suceder alguna vez en la vida, cuando lo reprimido emerja y rompa la percepción que tenemos sobre nosotros mismos, mostrando una persona con quien no estábamos familiarizados, un otro que vive dentro de nosotros y que necesitamos integrar a nuestro ser para no estar escindidos y conflictuados. Hatching (Pahanhautoja es su título original) es una película finlandesa que abarca este tema con precisión, metiéndonos en la piel de una adolescente que transita este duro descubrimiento.

Tinja es una joven gimnasta que forma parte de una aparente familia perfecta, pero que se encuentra con varios problemas que complican su día a día; su madre la presiona para ganar una clasificatoria de gimnasia, aparte que le pide ser discreta respecto a su amante, el cual el padre parece solapar, de aquí, sus relaciones familiares se deterioran, sus concepciones de lo que está bien y mal se difuminan, y la presión no para de afectarle... El único momento donde encuentra paz, es cuando cuida de un huevo que halla en las afueras, y que crece sin parar hasta que brota del cascarón un ave malformada, que conforme más se desarrolle, le mostrará a Tinja una faceta suya que desconocía y que será difícil de aceptar.

La actuación de Tinja no está plagada de diálogos, pero sus expresiones son suficientes para guiarnos durante su travesía, su semblante ante los comportamientos transmite lo que siente, la alegría, lo que reprime, dándole validez a lo que experimenta junto al monstruoso pájaro que la acompaña (en el cual se nota una inversión considerable de efectos especiales para que se vea realista). La madre es una influencer, y esta dinámica donde muestra en sus videos una imagen de familia perfecta, es un extra que sintoniza con la crisis de Tinja, donde el público, y la gente con la que convive, la ve como una joven feliz, pero detrás de cámaras atraviesa un calvario para no derrumbarse.

Historias sobre un otro yo más salvaje que habita dentro nuestro son tan antiguas que uno podría decir que se remontan hasta Jekyll y Mr. Hyde, pero en realidad va más allá; la base histórica serían las narrativas del hombre convertido en algún animal, siendo la más popular la del hombre lobo. Esto es tan inherente a nosotros, que es difícil dejemos de ver más reformulaciones tan puntuales como Hatching (que es el primer largometraje de la directora y escritora Hanna Bergholm), que irán adaptando el tema a la era y país donde se viva, para recordarnos que no somos los únicos que nos desdoblamos, que esto es parte de nuestra esencia humana.

Vampire in the garden (2022) - ¿Mundos irreconciliables?

Estudio WIT, el responsable detrás de Attack on Titan (primeras temporadas), Ranking of kings, Dororo, Vinland saga, y la más reciente Spy X Family, muestra en Netflix una serie de apenas 5 episodios que nos presenta un mundo postapocalíptico donde vampiros y humanos están en constante conflicto, buscando erradicar al otro de la Tierra.

Fine y Momo son dos chicas que pertenecen a sus respectivos mundos, siendo Fine la heredera de la jerarquía vampírica y Momo, la hija de una comandante que quiere imponerle su visión bélica del mundo a como dé lugar. A pesar de ser diferentes, ambas reconocen que el bando donde habitan está incompleto, generándoles inconformidad y un vacío, observando que lo único que consigue la guerra es separar toda esperanza de conciliar un mundo donde vampiros y humanos coexistan en paz.

Los vampiros avasallaron en el pasado y se reprodujeron con rapidez, propiciando que los humanos se refugien en una ciudad que defienden mediante artilugios lumínicos y armas de fuego, mientras los vampiros viven en las afueras y atacan con sus habilidades sobrehumanas. La serie muestra igual otras situaciones, como las ciudades hermanas donde ambas facciones se vampirizan entre sí, manteniendo una frágil paz que se sostiene solo por el interés y donde cualquier altercado desata el caos. La otra opción que muestran es un pueblo donde la armonía es más aparente y conviven sin problema, pero como toda utopía, esconde algo.

En el mundo que se retrata en Vampire in the garden, algo se hace evidente con el paso de los años, la comunidad vampírica se asocia a la opulencia y lo estético, convirtiendo al arte en una abominación que es rechaza con todo por los humanos, quienes se convierten en el opuesto, la viva imagen de la ciencia, lo utilitario y la austeridad. Tanto Momo como Fine son representantes de estas posturas que no aceptan un punto medio, son abanderadas de una esperanza que ya todos perdieron y que lucharan hasta lo imposible por demostrar el compromiso con sus creencias cuando las dos se embarquen juntas en un viaje para huir de la guerra y encontrar su sitio.

Fine vivió un evento en el pasado con una humana que provoca que su estirpe haga cuanto esté en sus manos por separarla de Momo, a quien su madre y tío, movidos por el pasado y su odio a los vampiros, harán lo equivalente por alejarla de Fine. Cegados por la costumbre beligerante que ya les es inherente, las perseguirán hasta confines lejanos, incapaces de aceptar que ellas pueden ser portavoces de otra era.

Ciencia y arte han sido, para mucha gente, posturas opuestas incapaces de convivir en un individuo, quien deberá decantarse por una o por la otra para relacionarse con el mundo; Momo y Fine, buscan conciliar estos dos mundos, demostrar que es posible que humanos y vampiros encuentren un punto medio, pero demostrar esto es lo mismo que pasamos en nuestro día a día cuando divergimos del status quo, hay que luchar con uñas y dientes contra las opiniones del resto y no desfallecer ante nuestra meta.

Vampire in the garden cuenta con una animación impecable, pasa por drama, fantasía y acción para entregar una serie bien contenida que no necesita alargarse más para demostrar su planteamiento y enseñarnos que para alcanzar el destino deseado, habrá que mantenerse firme contra la marea y aceptar el apoyo de quienes crean en nuestros ideales.

13 sentinels aegis rim (2020) - Ambición bien orquestada

13 sentinels aegis rim se desprende del estigma que persigue a la gran mayoría de narraciones ambiciosas, las cuales empiezan a menudo con una premisa interesante que engancha y causa que se consuman sin parar, esperando las revelaciones que den coherencia al trepidante inicio, solo para decepcionarse conforme más se avanza, notando que el escritor no estuvo a la altura de lo que pretendía lograr, desinflando la historia conforme se aproxima al final. El otro mal camino que toman los autores es oscurecer la obra y llenarla de simbolismos, parchando los defectos narrativos con una pretensión innecesaria que aleja a la gente.

13 sentinels recurre a una técnica narrativa que puede no ser del agrado de muchos en un principio. La historia se desarrolla desde 13 perspectivas diferentes, con muchos personajes secundarios, ocurriendo en diferentes momentos y separadas por tiempos variables (es decir, no necesariamente una escena sigue de inmediato a la otra cuando conoces los eventos de un personaje), a esto se le agrega que no puedes ver toda la historia de alguien de principio a fin, pues hay partes que se desbloquean hasta que cumplir ciertas condiciones. El resultado de esta fórmula es una cantidad abrumadora de información que en las primeras horas perderá a más de uno entre los diferentes nombres, locaciones y temas que se abordan. Lo sorprendente es que con todo ese alud de datos, funciona, y si en sus primeras horas consigue conectar con el jugador dentro de este caos, lo capturará hasta el final.

Esta forma entrecortada de narrar cobra sentido ante una repetición constante de ciertos términos, que conforme se avanza, se afianzan en nuestra memoria y nos permite construir el panorama general de lo que ocurre, aparte de obligarnos a estar atentos a los diálogos para no perder las revelaciones. Y aunque es un hecho que perderemos detalles en el camino, esto no entorpece la facilidad con la que el juego va introduciendo cambios cruciales que dejan boquiabierto, mínimo, una vez cada dos horas (tarda 30 aproximadamente en completarse), porque no solo subvierten las expectativas, las hacen más grandes con cada giro de guión, mostrando un atrevimiento que pocos tienen el privilegio de decir que estuvieron a la altura de salir bien librados.

El inicio es bastante simple y hasta trivial, adolescentes que suben a robots gigantes (mechas) para enfrentar a monstruos (kaijus) que amenazan la integridad de la ciudad, siendo ellos los únicos que pueden pilotar las armas antropomórficas. A partir de allá se ramifica sin parar por temas tan diversos que exploran quiénes somos, qué nos define como personas, cómo nos afecta la tecnología, qué haríamos por comprender la verdad del mundo, la compasión por el diferente, las circunstancias adversas que nos llevan a ser enemigos, la esperanza por salir adelante sin importar las desgracias, el ingenio humano por sobrevivir, la falta de ética para conseguir los objetivos, la obsesión por recuperar lo que perdimos y, cómo la unión con todo y nuestras diferencias puede marcar el cambio en el mundo, por mencionar solo algunos de los muchos tópicos que se exploran a través de una ciencia ficción que homenajea al anime y las películas ochenteras del género.

El sistema de batalla con el que se  mezcla la narrativa al estilo novela visual parece poco atractivo al verse en video, donde se aprecia nada más líneas, símbolos y números, pero las dudas se disipan cuando se toma control de éste y ya existe una conexión previa con los pilotos que van a la batalla, olvidando la simpleza de la interfaz e interesándose en el conflicto que sucede. Como dato complementario, todas las batallas ocurren después de la narrativa principal (con excepción del final, claro)

Es cierto que al final quedarán detalles por confirmar (para lo cual el juego ofrece una enciclopedia muy completa y una línea temporal donde todo está ordenado cronológicamente), pero eso no resta crédito al satisfactorio final con el que se cierra, que se vuelve más relevante cuando se descubre una escena extra que aparece sin aviso previo en la cronología, dándonos más para pensar sobre la obra. 13 sentinels aegis rim tiene una estética propia de los veteranos de Vanillaware que hará las delicias de sus seguidores. Este juego es una epopeya inolvidable que merece más atención por parte del público, y que por desgracia, su proeza narrativa fue opacada el año que salió por el controversial The last of us II. Ahora que fue reeditado en switch, es momento de aprovechar y conocer una historia como pocas que se han hecho para las consolas.

Devilman crybaby (2018) - El diablo puede llorar

Devilman crybaby explora la naturaleza maligna del ser humano mediante una mezcla que puede alejar a quien no esté acostumbrado a animaciones extremas, pues en la primera mitad abundan los desnudos, el sexo, la violencia, y el gore hasta un punto que en ocasiones roza lo ridículo. A partir del capítulo 6 los temas maduran, yendo hacia un derrotero reflexivo donde los excesos se integran a la historia y transmiten el aura malévola que rodea a los protagonistas.

Los protagonistas son, Akira Fudo, un joven muy emocional que llora cada que alguien sufre, y su contraparte es Ryo, un amigo de la infancia que es frío y racional ante todo lo que vive. La serie inicia con ellos como niños, discutiendo en torno a un gatito que está muy enfermo y morirá inevitablemente, Akira se empeña en cuidarlo, llorando a su lado, mientras Ryo insiste en matarlo para ahorrar el sufrimiento; esta escena será de relevancia para sus personalidades y el desarrollo que tendrán ambos hasta el final, formando un círculo con la trama. De ahí, la historia avanza hasta su adolescencia, donde Ryo se reencuentra con Akira después de una larga ausencia y lo engatusa para que el demonio Amon posea su cuerpo. La aparente debilidad emocional de Akira en realidad es una fortaleza humana que le permite a su corazón dominar a Amon, convirtiéndose en un Devilman, un humano que controla al ente demoniaco y que lo usará para pelear contra otros demonios. Mientras Akira atraviesa por diferentes episodios que lo harán llorar de compasión por sus semejantes y descubrir sus límites, Ryo fraguará un plan para destapar la existencia de los demonios en el mundo, lo que traerá un caos que escalará hasta proporciones inimaginables.

Las reflexiones que Devilman crybaby lanza sobre la maldad humana son duras, mostrando las acciones de, humanos poseídos por el demonio que ceden a sus impulsos, los que dominan al lado perverso y lo integran a su vida como Akira, y finalmente quienes lo reprimen y no se atreven a actuar solos, pero que al formarse una turba resentida e iracunda, se unirán a ella para mostrar que el ser humano no necesita tener la apariencia de un diablo para dañar a otros.

Los trazos de los personajes se alejan del estilo del anime (algo propio del director Masaaki Yuasa), creando una atmósfera única que con sus dibujos desproporcionados, ángulos elegidos y la música, acentúa más los extremismos que caracterizan a la serie, viéndose más grotesco, lo que hará las delicias de los admiradores del body horror, pero provocará el disgusto del espectador convencional.

Devilman Crybaby es una adaptación de Devilman, un manga de 1972 del legendario Go Nagai (autor también de Mazinger Z y Cutie Honey por nombrar un par), que tuvo otra anime, OVAs, películas, y es una referencia e inspiración para obras importantes de la industria como Berserk y Evangelion. En esta adaptación de Netflix, se han hecho muchos cambios respecto al original, pero ha conseguido algo que las versiones anteriores carecieron, la esencia, la cual se percibe en especial cuando se llega al final de los 10 episodios y se recapitula sobre lo visto, entendiendo cómo la libertad creativa que se le permitió a Yuasa, creó una versión difícil de digerir para el público en general, pero que encaja con el duro trasfondo que presenta sobre nosotros.

Si se tolera las imágenes repulsivas, se encontrará con una obra que cuestiona varios puntos de nuestra sociedad, como la dificultad que existe para aceptar a quienes no encajan en la norma, la manipulación de los medios para demonizarlos, deshumanizarlos y rechazarlos, convirtiéndonos en un mundo que se deja llevar por las mentiras, revelando la falta de criterio para discernir y cuestionar, hambrientos de explicaciones, aunque éstas sean falsas, cayendo presa de una espiral demoniaca que nos vuelve animales agresivos e insensibles que desconocen la compasión, unos demonios, unos que olvidan que el diablo también puede llorar.